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An interview with photoED Magazine photoED magazine spoke to Fort McMurray–based photographer Melissa Richard about chasing light and the magic of childhood. Melissa Richard is a photographer based in Fort McMurray, Alberta. She is a Click Pro Elite photographer and a Hello Storyteller mentor. Her days are spent teaching young minds at the local school, and her nights and weekends are spent behind a camera. Melissa is a self-proclaimed “light chaser,” and a storyteller inspired by nature, her family, details, shadows, and the quest for dramatic light. photoED: You had a very unique motivation to get started in photography. Tell us what motivated you to pick up a camera and begin taking your photography seriously. Melissa: Our family home, and everything in it, was lost in the massive wildfire of 2016. Prior to the fire, I often booked family photo sessions with talented local photographers and plastered our walls with canvas prints and framed photographs from those sessions. To replace the memories and images that were lost, I may have gone a little overboard and started booking photoshoot sessions almost monthly. The cost was starting to become a burden, and I began to feel like the photographs were just not capturing what I envisioned in my own mind’s eye for my family. My husband had an entry-level DSLR and suggested that I learn to take photos myself. While the fire consumed everything we had, it also opened a new world of creativity to me that I may not have fallen in love with otherwise. photoED: What is it about creating stories through photography that you love most? Melissa: I am most passionate about photographing my family and the magic of childhood, although for one of my kids, life is turning towards an emotional teenage phase, which is shifting my images to a whole new mood. I see what I’m doing as being our family’s visual historian. I strive to capture not just the big milestone moments, but also the little ones that showcase their personalities. I love that we can look back through my images and reflect on these fleeting moments. One day our kids will move away, and these documents will keep our hearts full when we are apart. photoED: Whose work has influenced yours? Melissa: In the beginning of my photography journey, I was completely in awe of Meg Loeks’ work and wanted to be just like her. After I dabbled into many types of photography genres and found my own photography style, I started drawing inspiration from many different photographers. I am mesmerized by Niki Boon’s black and white photography, and I love Kirsty Larmour’s and Joni Burtt’s work. Burtt’s images remind me of my home and my own childhood. I always get waves of nostalgia when scrolling her images. I am also in love with Robin Fox’s work. Her points of view and use of colour is outstanding. photoED: What makes a good photograph? Melissa: I am personally drawn to dramatic light, lines, reflections, interesting points of view, and emotion. A good photograph makes you feel something, reminds you of something, or makes you wonder what the photographer was thinking when taking the photograph. photoED: How has working in photography influenced you personally? Melissa: Photography has really taught me to be more observant. I feel like I’m constantly looking at the world as though through a camera lens. I notice and appreciate little things like the way dust sparkles when the light is shining through the window just right or how little pockets of light can totally change the atmosphere of a location. I love finding leading lines, shadows, and reflections, and seeing how the quality of the sky and clouds can add untold levels of drama to a setting. I didn’t realize how much I loved creating and looking at the world with fresh eyes until I threw myself into photography. photoED: What has been your favourite photography project so far? Melissa: My favourite photography project so far has been creating online courses to inspire more creative folks. I teamed up with Hello Storyteller and wrote a course focused on shooting creatively every day. I poured my heart and soul into that project. GEAR UP What camera and equipment do you most use? What’s your favourite lens? Can you tell us about your experience using Tamron lenses? Melissa: I have two Sony camera bodies and love playing with my GoPro HERO and DJI Mavic Air for drone photography. Prior to having the opportunity to use Tamron lenses, I used to be a prime lens person who never used a zoom lens. Instead, I used to carry two camera bodies with different lenses to all occasions. This recent opportunity to test the Tamron zoom showed me how easy and convenient it was to switch back and forth from 28mm to 75mm. I loved the 28mm for tight spaces and the 75mm was ideal when I wanted to create a portrait with a beautiful bokeh. I almost always shoot wide open (F/1.4 or F/1.8), so I was pleasantly surprised by how much I loved shooting with an F-stop of 2.8. The Tamron lens made shooting different scenes and getting different looks quick, easy, and lighter without having to switch camera bodies back and forth (which is what I always end up doing). See more of Melissas' work - HERE. Check out Melissa Richards' fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Le magazine photoED a discuté avec la photographe Melissa Richard, basée à Fort McMurray, à propos de la poursuite de la lumière et de la magie de l'enfance. Melissa Richard est une photographe basée à Fort McMurray, en Alberta. Elle est membre de Click Pro Elite et une mentore chez Hello Storyteller. Ses journées sont consacrées à enseigner aux jeunes esprits à l'école locale, et ses nuits et week-ends sont consacrés derrière un appareil photo. Melissa se décrit comme une "poursuiveuse de lumière" et une conteuse d'histoires inspirée par la nature, sa famille, les détails, les ombres et la quête de lumière dramatique. photoED: Vous aviez une motivation très particulière qui vous a poussé vers l’exploration de  la photographie. Dites-nous ce qui vous a motivé à prendre un appareil photo et à commencer à prendre la photographie au sérieux. Melissa: Notre maison familiale, et tout ce qui s'y trouvait, a été détruite dans l'immense incendie de 2016. Avant l'incendie, je réservais souvent des séances photo de famille avec des photographes locaux talentueux et je recouvrais nos murs de tirages sur toile et de photographies encadrées de ces séances. Pour remplacer les souvenirs et les images perdus, j'ai peut-être un peu exagéré et j'ai commencé à réserver des séances photo presque tous les mois. Le coût commençait à devenir un fardeau, et j'ai commencé à sentir que les photographies ne capturaient tout simplement pas ce que j'imaginais dans mon propre esprit pour ma famille. Mon mari avait un reflex numérique d'entrée de gamme et m'a suggéré d'apprendre à prendre des photos moi-même. Alors que le feu consumait tout ce que nous avions, il a également ouvert un nouveau monde de créativité pour moi, un monde qui a suscité une passion que je n'aurais peut-être pas découvert autrement. photoED: Qu'est-ce que vous aimez le plus dans la création d'histoires à travers la photographie ? Melissa: Je suis passionnée par la photographie de ma famille et la magie de l'enfance, bien que pour l'un de mes enfants, la vie se tourne vers une phase adolescente émotionnelle, ce qui modifie l'ambiance de mes images. Je me considère comme l'historienne visuelle de notre famille. Je m'efforce de capturer non seulement les grands moments, mais aussi les petits qui mettent en valeur leur personnalité. J'aime que nous puissions revenir en arrière à travers mes images et réfléchir à ces moments fugaces. Un jour, nos enfants partiront, et ces documents garderont nos cœurs pleins quand nous serons séparés. photoED: Quel travail a influencé le vôtre ? Melissa: Au début de mon parcours photographique, j'étais totalement en admiration devant le travail de Meg Loek et je voulais être comme elle. Après avoir exploré de nombreux genres de photographie et trouvé mon propre style photographique, j'ai commencé à puiser mon inspiration dans de nombreux photographes différents. Je suis fascinée par la photographie en noir et blanc de Niki Boon, et j'admire le travail de Kirsty Larmour et de Joni Burtt. Les images de Burtt me rappellent ma maison et mon enfance. Je ressens toujours des vagues de nostalgie en parcourant ses images. Je suis également amoureuse du travail de Robin Fox. Ses points de vue et son utilisation de la couleur sont exceptionnels. photoED: Qu'est-ce qui fait une bonne photographie ? Melissa: Je suis personnellement attirée par la lumière dramatique, les lignes, les reflets, les points de vue intéressants et l'émotion. Une bonne photographie vous fait ressentir quelque chose, vous rappelle quelque chose, ou vous fait réfléchir à ce que le photographe pensait en prenant la photographie. photoED: Comment le travail en photographie vous a-t-il influencé personnellement ? Melissa: La photographie m'a vraiment appris à observer davantage. J'ai l'impression de regarder constamment le monde comme à travers un objectif d'appareil photo. Je remarque et apprécie les petites choses comme la façon dont la poussière scintille lorsque la lumière brille parfaitement à travers la fenêtre ou comment de petits points de lumière peuvent changer totalement l'atmosphère d'un lieu. J'adore trouver des lignes directrices, des ombres et des reflets, et voir comment la qualité du ciel et des nuages peuvent ajouter des niveaux de drame inédits à un décor. Je ne réalisais pas à quel point j'aimais créer et regarder le monde avec des yeux neufs, la photographie m'a ouvert à ceci. photoED: Quel a été votre projet ou aventure préféré ou qui vous a le plus influencé personnellement ? Melissa: Mon projet photographique préféré jusqu'à présent a été de créer des cours en ligne pour inspirer plus de personnes créatives. J'ai collaboré avec Hello Storyteller et écrit un cours axé sur la prise de vue créative au quotidien. J'ai mis tout mon cœur dans ce projet. ÉQUIPEMENT Quel appareil photo et équipement utilisez-vous le plus souvent maintenant ? Quel est votre objectif préféré ? Pouvez-vous nous parler de votre expérience avec les objectifs Tamron ? Melissa: J'ai deux boîtiers Sony et j'adore jouer avec mon GoPro HERO et mon DJI Mavic Air pour la photographie par drone. Avant d'avoir l'opportunité d'utiliser les objectifs Tamron, j'étais une personne qui utilisait principalement des objectifs à focale fixe et jamais d'objectif zoom. Au lieu de cela, j'avais l'habitude de transporter deux boîtiers d'appareils photo avec des objectifs différents à toutes les occasions. Cette récente opportunité de tester le zoom Tamron m'a montré à quel point il était facile et pratique de passer rapidement de 28 mm à 75 mm. J'ai adoré le 28 mm pour les espaces restreints et le 75 mm était idéal lorsque je voulais créer un portrait avec un beau flou d'arrière-plan. Je photographie presque toujours avec une ouverture grande ouverte (f/1.4 ou f/1.8), donc j'ai été agréablement surprise à quel point j'ai aimé photographier avec une ouverture de f/2.8. L'objectif Tamron a rendu la prise de vue de différentes scènes et l'obtention de différents looks rapides, faciles et plus légers sans avoir à changer d'appareils photo en permanence (ce que je finis toujours par faire). Pour visionner le travail de Melissa Richard. Découvrez la lentille préférée de Melissa Richard. www.tamron-americas.com

Entrez pour avoir! The Tamron 17-50mm F4 lens for Sony full-frame mirrorless cameras offers an unprecedented zoom range from 17mm ultra wide-angle to 50mm standard, setting a new standard. With a constant F4 aperture for consistent performance in photography and video, this lens excels in optical performance, ensuring edge-to-edge sharpness. The VXD linear motor focus mechanism provides superior quietness and precise autofocus, while its stable physical length during zoom is ideal for gimbal stabilizers. Boasting an impressive close-range shooting capacity, it allows users to capture unique close-up shots. This "walk around" lens combines portability and convenience, empowering creators to seamlessly switch between diverse subject matter for versatile content creation. See what this lens can do, HERE. Entries close FEB 29, 2024. Entry requirements - must subscribe to receive Tamron's e-newsletter. Unsubscribe at any time. No purchase necessary. Open to residents of Canada only. One entry per person. No substitutions. No cash value. Winner will be notified by email. Prize must be claimed by April 1, 2024 or the prize is forfeited. The winner will be able to substitute the prize with the Tamron SP 100-400mm F/4.5-6.3 Di VC USD for Canon or Nikon DSLR; or Tamron 17-70mm F/2.8 Di III-A VC RXD for Fujifilm X mount; or 70-300mm F/4.5-6.3 Di III RXD for Nikon Z mount. No other substitutions. Conditions d'entrée vous abonner à la newsletter au bulletin électronique. Désabonnez-vous à tout moment. Inscrivez-vous ici. Clôture des inscriptions le 29 février 2024. Pas d'achat nécessaire. Ouvert aux résidents du Canada seulement. Pas de substitutions. Pas de valeur monétaire. Le gagnant sera averti par courriel. Le prix doit être réclamé avant le 1 avril 2024 ou le prix est perdu. Le gagnant peut remplacer la lentille  Tamron SP 100-400mm F/4.5-6.3 Di VC USD pour une reflex numérique Canon ou Nikon ; ou une lentille Tamron 17-70mm F/2.8 Di III-A VC RXD pour la monture Fujifilm X ; ou une lentille 70-300 mm F/4.5-6.3 Di III RXD pour la monture Nikon Z. Aucune autre substitution.

We feel it’s about time that these photographers of CONTEMPORARY note were acknowledged, and their names become known to every Canadian photo-nerd! Here are a few people we think you should know, and some QUICK facts as to WHY... (Consider this an incomplete cheat-sheet, in no particular order) BARBARA ASTMAN IS KNOWN FOR: Self-portraits + red objects But, more then that, a very long list of national and international exhibitions, publications, and installations of her work. She's a professor at OCAD U She's in our encyclopedia! READ MORE - HERE LYNNE COHEN IS KNOWN FOR: BIG pictures of weird empty places Awards include, the Governor General's Award in Visual and Media Arts + the inaugural Scotiabank Photography Award. Tones of international exhibitions + books and stuff. Too long to list... MORE ABOUT LYNNE - HERE JUNE CLARK IS KNOWN FOR: Deeply personal and poetic mixed media photo-based artwork. Her work often refers to growing up in Harlem, and often integrates her street photography. A national and international reputation with a life-long list of exhibitions and work in collections, including the AGO, and National Gallery of Canada. READ MORE - HERE. RUTH KAPLAN IS KNOWN FOR: Naked people bathing! and years worth of gently documenting people's daily lives. Lots of exhibitions and publications listed on her CV + she shares her talents as an educator in Toronto as well. Represented by Stephen Bulger Gallery SEE MORE - HERE. + Get the ULTIMATE CANADIAN PHOTO NERD TOTE Bag featuring a few of these celebrated names. ORDER yours today - HERE. DINA GOLDSTEIN IS KNOWN FOR: Staged pop surrealist photographs that challenge societal myths. Fallen princess', Barbie dolls, and American presidents feature. Dina's list of feature exhibitions is longer than all the Disney Princess movies combined. Check her out on CBC READ MORE about her HERE. NAOMI HARRIS IS KNOWN FOR: Photographing real people in all their quirky glory. Book projects: Haddon Hall Hotel; America Swings; and E.U.S.A. Road-trips and adventures, including canoeing for 70 days, wearing a 19th century period costume. Her super-cute side-kick, rescue dog Maggie. SEE MORE - HERE. LAURA JONES IS KNOWN FOR: Founding the FIRST photography gallery in Canada. Her space also welcomed and encouraged women to use her darkroom at a time when darkrooms were not accessible to women in Toronto. She documented her life in Toronto, and in the US, always with a lens towards equity and civil rights. Her images from the1968 Poor People's Campaign (PPC), a mass demonstration that followed after the death of Martin Luther King, are hosted in numerous museums and galleries internationally. She organised the first photo exhibition in Canada, BY women. She now focus' on researching the work of women in Canadian photo history lost or neglected in archives. READ MORE - HERE. LAURENCE PHILOMENE IS KNOWN FOR: Extreme colour A non-binary transgender artist coming of age amid the rise of social media. Laurence's work has been published and exhibited internationally, and Laurence presented at the 2019 Cannes Lyons festival. FOLLOW Laurence - HERE. DANA CLAXTON IS KNOWN FOR: Beautifully crafted studio shots that reference Indigenous history, culture, beauty and spirituality. Hunkpapa Lakota filmmaker, photographer, and performance artist. Winner of the 2020 Governor General's Award + the Scotiabank Photography Award. READ MORE - HERE. SANDRA BREWSTER IS KNOWN FOR: The 'Blur' series She has been recognized for her community-based practice that centres around Black presence in Canada. She's in our encyclopedia! SEE MORE HERE. JIN-ME YOON IS KNOWN FOR: 'Souvenirs of the Self' series of self-portraits, where she places herself at well-known tourist hot spots. South Korean-born internationally active she uses performance, photography and video to explore themes of identity as it relates to citizenship, culture, ethnicity, gender, history, nationhood and sexuality. SEE MORE - HERE. LORRAINE GILBERT IS KNOWN FOR: Her work focus' on landscape and raising questions about the social and economic aspects of land and nature. She won the Karsh Award in 2003 for her commitment to artistic excellence in photo-based art. She has been teaching art and photography for the past 25 years, and is currently the Director of the Visual Arts Department at the University of Ottawa. SEE MORE - HERE. DIANA THORNEYCROFT IS KNOWN FOR: Playing with toys to create hilarious and sometimes dark dioramas such as the "Group of Seven Awkward Moments" series. She has exhibited, lectured, and been published extensively at home and abroad. She is the recipient of numerous awards including the 2016 Manitoba Arts Award of Distinction. SEE MORE - HERE. ANGELA GRAUERHOLTZ IS KNOWN FOR: Big prints and large installation work, often blurry, always a captivating dream She is the winner of the Scotiabank Photography Award and a Governor General Award in Visual and Media Arts. SEE MORE - HERE. CLARA GUTSCHE IS KNOWN FOR: Nuns! and use of a view camera to explore personal relationships and the cultural values of Quebec. She teaches Studio Arts at Concordia, and she was a founding member of the artist-run Powerhouse Gallery. SEE MORE - HERE. RITA LEISTNER IS KNOWN FOR: Working in extreme conditions—including alongside soldiers in Iraq and Afghanistan, female patients at psychiatric hospitals, with First Nations communities in the Arctic, women wrestlers in the US, and loggers in Canada—exploring themes of purpose, struggle, and belonging. Her tree planters mega-project - exhibitions, media, an experimental documentary feature film, and book with a Foreword by filmmaker Don McKellar. SEE MORE - HERE. #womeninphotography #canadianphotography

Highlights from our 2023 publishing season! This past year, we focused on exploring topics through photography that matter to us all. Food, Water, and Land. This year we published THREE gorgeous editions, featuring over 93 photographers in print + over 170 more in our digital issues! We couldn't have done any of it without the support of our PATRONS + subscribers + advertisers + collaborators + the Ontario Arts Council + more! Like what we do? Consider supporting us so we can keep publishing Canadian photography! JOIN US AS A PATRON • SUBSCRIBE FOR PRINT DELIVERY • GET DIGITAL ISSUUS

An interview with photoED Magazine We spoke to Toronto-based photographer Meaghan Ogilvie about her incredible underwater photography. photoED: What is it about creating stories through photography that you love most? Meaghan: I love that photography allows me to connect and engage with any audience as a tool that transcends language barriers. I love that I have the opportunity to share my exploration of the world creatively and that I can inspire others to do the same. photoED: Whose work has influenced yours? Meaghan: I began my journey with analog photography so I will always have a deep love for black and white images. Sebastião Salgado and Sally Mann are my O.G.’s in this realm and I admire them for their commitment to long-term projects and their authenticity and technical skills. When I began underwater photography, I came across the images of Zena Holloway. She is a pioneer and has always remained one of my favourite underwater photographers not only because her work is beautiful, but because she has sustained a long career in a very niche field. Over the years, I’ve learned that success has a lot to do with stamina and re-inventing yourself. It takes intelligence, ambition, and hard work to succeed and Zena demonstrates this. She continues to evolve now as a bio-designer and material innovator growing sustainable sculpture and fashion from grass root plants. She’s incredibly inspiring! photoED: What makes a good photograph? Meaghan: Creativity, lighting, and originality are the first things I look for in a photograph and its ability to evoke emotion. A great photograph tells a story, puts you in a particular moment in time, and speaks to your emotions. A good picture stands out from the average if it can do all of the above. photoED: What advice would you give an aspiring Canadian photographer? Meaghan: Practice regularly, keep pushing yourself, network, and collaborate. Photography is a continuous learning process and the more you take risks and challenge yourself, the better you will be. Collaborating with other artists will help you connect with the industry and potentially open doors. The online communities can also be really helpful. It sounds cheesy, but above all believe in yourself and don’t give up. Many people didn’t believe I could make a career out of underwater photography, but I’m still here! photoED: How has working in photography influenced you personally? Meaghan: My mom bought me an old 35mm film camera for my fourteenth birthday. I took it with me everywhere and it became a part of my identity. I was shy growing up, so the camera gave me purpose and the opportunity to talk to people. It helped me with my introversion and still does today. Working as a photographer, especially specializing in underwater, has made me more courageous and confident. I started out being afraid of open water, but now I’m an advanced diver, diving among beautiful sharks in strong currents 27 metres below the surface and I love it. Travel for my work has also shown me the beautiful diversity of the world and made me a more open-minded person. There have also been a lot of ups and downs working as an underwater photographer based in Toronto. Being so far away from the ocean, I have been challenged to keep relevant. There have been moments where I wanted to give up. I’ve learned to keep going by re-inventing myself and upgrading my skills. I’ve learned to make my own opportunities. Working in photography has taught me to be persistent and go after the things I’m passionate about in life. photoED: What has been your favourite or most personally impactful project to work on? Meaghan: Back in 2008, when I created my first underwater shoot, I had no idea that one shoot would change the trajectory of my life and career. Ever since then I’ve had experiences I could have never dreamed of. That’s not to say it’s always been easy and fun, but the journey and projects have shaped my beliefs and perspective on life. In 2015, I was commissioned to create a water themed large-scale public exhibition for the Toronto Pan-Am and Parapan Am Games in downtown Toronto at Brookfield Place. The goal was to educate and inspire the public about the importance of protecting the Great Lakes. For almost two years I worked on this project, researching the significance of water to Indigenous communities, producing and photographing work, as well as designing the exhibition and promoting it. It was an amazing experience shooting in the Great Lakes and learning so much about creating a large-scale exhibition. The most impactful part of the project was co-creating and collaborating with Indigenous artists and communities from Wasauksing First Nation, Six Nations of the Grand River, M’Chigeeng First Nation, and Aamjiwnaang First Nation. The experience changed my relationship to water, from viewing it as a resource to seeing it as a living and thriving part of nature. Since then, my perspective on life has shifted and I’m more conscious of how my individual actions affect the rest of the planet. photoED: Any stand-out photography or adventures you still think about? Meaghan: Being an underwater photographer has connected me with like-minded people around the world. In February 2018, I was a part of a sailing expedition in Saint Vincent and the Grenadines aboard a sailboat called Diatomée. I had never sailed before or met the three other people whom I’d be on a boat with for a week. It was a wild adventure, mooring or anchoring close to a deserted island and then swimming to the shore and stepping onto a feral island. I learned so much from the others about sailing, freediving, underwater photography, and the ocean. We were all from different countries — France, Spain, and Canada — and shared many stories about our homelands. It was an experience I will never forget. photoED: What projects are you most excited about right now? Meaghan: Last year, I focused on learning underwater lighting and cinematography so I could experiment with new techniques. I’m currently working on concepts for new projects, so I don’t have anything to share just yet, but I can say I’ve fallen in love with kelp forests and I’m excited to explore them more. I will be focusing on creating large-scale works. I’ve also just returned from Raja Ampat in Indonesia where I won a trip to dive on a liveaboard. Raja Ampat is known as “the last paradise on earth” because of its rich biodiversity. Its remote location in Indonesia has allowed it to escape mass tourism and is one of the most successful conservation projects on Earth. During my recent visit I saw a lot of plastic and garbage in the ocean, as well as unregulated liveaboards and boats at dive locations. The reefs of Raja Ampat now face coral degradation, increased plastic pollution, anchor damage, and boat strikes from an influx of tourists and a lack of proper infrastructure. It was really sad to see that this “last paradise” was so vulnerable to destruction. Having just been there and witnessed the beauty and imminent threats, I would like to take action and use my work to bring awareness. I’m looking into ways I can do that. photoED: What does your dream project entail? Meaghan: Going on assignment for National Geographic. It has been my dream since I was a kid! I don’t want to jinx myself, but I’ve applied for a grant with them and hope I will be working on that project next year. Over the past three years my work has been moving more in the direction of documentary and wildlife photography. I still have a strong artistic side, so another dream project would be to shoot a high-quality production underwater shoot in a pool with an unlimited budget. I have ideas for both still images and a short film. GEAR UP: What camera and equipment do you most use now? What’s your favourite lens? Can you tell us about your experience using Tamron lenses? Meaghan: I’m limited to what I can use underwater because underwater housings are built for specific cameras and lenses. My current go-to is the old-school Canon 5D Mark II with a 17-40mm 4.0 lens and an Ikelite housing. I’ve had this set up for years now and most of my images are wide angle, so it was amazing to try the Tamron SP 35mm F1.4 lens to get a shallower depth of field, play with bokeh, and get a closer perspective of my subjects. Tamron was generous enough to lend me the 35mm for my recent trip to Raja Ampat. Shooting conditions were really challenging because of heavy rains and strong currents that brought plankton and algae. This weather affected the visibility for pictures, but on the flip side brought forth a lot of marine life. The 35mm had great reliable autofocus in low light and visibility, so I was very thankful to have it with me. It was versatile for getting wider shots of schools of fish but also for focusing on close details of coral, which Raja Ampat is famous for. It was a multipurpose lens to use underwater and on land to capture tiny insects but also seascapes. Meaghan Ogilvie has exhibited her work at the Art Gallery of Ontario, the Oceanside Museum of Art in California, Le Festival L’Homme et la Mer in France, and the DGI Byen Centre in Copenhagen, Denmark, among many other places. She has participated in residencies at the School of Visual Arts in New York City, Artscape Gibraltar Point on Toronto Island, Art Tahsis on Vancouver Island, and a sailing residency aboard Diatomée in the Caribbean Sea. She was awarded a grant in 2021 from the Canada Council for the Arts to train in underwater cinematography in the Red Sea, and is a recipient of several public art commissions, including one from the Toronto 2015 Pan American Games, where she created “Requiem of Water” (2015), a large-scale photography installation exhibited in the Allen Lambert Galleria at Brookfield Place, and a permanent digital mural, “Here and Now” (2021), for Lakeview Village in Mississauga, Ontario. See more of Meaghan's work - HERE. Check out Meaghan Ogilvie's fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Une entrevue avec la revue photoED Magazine L’Artiste visuelle Torontoise Meaghan Ogilvie se spécialise dans la photographie sous-marine. photoED: À travers la photographie vous créez des histoire, qu’est-ce qui vous plaît le plus dans cette pratique? Meaghan: J’adore le fait que la photographie me permet de connecter et de dialoguer avec n’importe quelle audience sans souci de barrières linguistiques. J’adore que ce médium m’offre l’opportunité de partager créativement mon exploration du monde et que je puisse inspirer d’autres à faire de même. photoED: Quelles œuvres artistiques inspire la vôtre? Meaghan: J’ai commencé mon parcours avec la photographie analogique, le noir et blanc sera toujours mon premier amour. Sebastião Salgado et Sally Mann, maîtres du noir et blanc, sont mes artistes préférrés, j’admire leurs engagements à des projets de longue durée, leurs authenticités et leurs abilités techniques. Lorsque j’ai commencé à explorer la photographie sous-marine, j'ai découvert les images de Zena Holloway. Elle est une pionnière et elle reste toujours une de mes photographes sous-marines préférées non seulement dû à ses œuvres magnifiques mais aussi car elle a soutenu une longue carrière dans un domaine niche. À travers les années j’ai appris que le succès est dû à l'endurance et à la réinvention de soi-même. Ça prend de l’intelligence, de l’ambition et un dur labeur afin de réussir et ceci Zena le démontre. Aujourd’hui elle continue d’évoluer comme conceptrice éco et novatrice de matériaux, elle bâtit des sculptures et articles de mode durable à partir des racines de plantes. Elle est incroyablement inspirante! photoED: D’après vous, qu'est-ce qui constitue une bonne photo? Meaghan: Pour moi la créativité, l’éclairage et l’originalité sont les premiers éléments que je recherche dans une image ainsi que sa capacité d’évoquer une émotion. Une excellente photographie raconte une histoire, vous place dans un moment particulier dans le temps et vous affecte émotivement. Une excellente photographie se distingue de la moyenne si elle réussit le tout. photoED: Quels conseils donneriez-vous aux autres photographes? Meaghan: Pratiquer régulièrement, continuer à vous dépasser et collaborer. La photographie est un apprentissage continu, le plus que vous prenez des risques et que vous vous mettez au défi, le plus que vous allez améliorer votre pratique. Des collaborations avec d’autres artistes vous aideront à connecter avec l’industrie et possiblement ouvrir des portes. Les communautés en ligne peuvent aussi vous apporter beaucoup d’aide. Peut-être que ça sonne drôle mais d’abord et avant tout ayez confiance en vous et n’abandonnez pas. Bien des gens ne croyaient pas que je pouvais faire de la photographie sous-marine une carrière, et bien je suis toujours là! photoED: Quelle influence votre travail en photographie a-t-il eu sur vous? Meaghan: Lors de mes quatorze ans, ma mère m’a acheté un vieil appareil photo 35mm. J’ apportais cet appareil photo avec moi partout où j’allais, il devint une partie de mon identité. En grandissant j’étais timide, la caméra me donnait un but et l’opportunité de parler avec des gens. Il m’a aidé avec mon introversion et continue de le faire encore aujourd’hui. Je suis devenue plus courageuse et sûre de moi par mon travail de photographe, spécifiquement en photo sous-marine. Au départ j’avais peur des grandes étendues d’eaux, mais me voici maintenant une plongeuse avancée, je plonge parmi de magnifiques requins dans des courants puissants à 27 mètres sous la surface et j’adore ça. Le fait de voyager pour mon travail me permet de voir la superbe diversité de notre monde et m’a rendu plus ouverte d’esprit. J’ai vécu beaucoup de hauts et des bas comme photographe sous-marine dû au fait que je vis à Toronto. Étant si éloignée de l’océan, j’ai été mise au défi de rester pertinente. J’ai vécu des moments où je voulais abandonner. J’ai appris qu’il fallait que je me réinvente et que j’améliore mes compétences afin de continuer. J’ai appris à créer mes propres opportunités. Mon travail de photographe m’a appris à être persévérante et à poursuivre des choses qui me passionnent à propos de la vie. photoED: Quel est le projet qui vous a affecté le plus personnellement? Meaghan: L’année 2008, lorsque j’ai créé ma première séance de photo sous-marine, je n’avais aucune idée qu’une seule séance changerait la trajectoire de ma vie et ma carrière. Depuis j’ai vécu des expériences que je n’aurais jamais pu rêver. Ceci dit ça n’a pas toujours été facile ou plaisant, mais ce trajet et les projets ont formé mes valeurs et ma perspective de la vie. L’année 2015, j’ai été commandité par Pan-Am Toronto et les Jeux Parapan Am pour créer une installation public à grande étendue sur le thème de l’eau. Elle fut exposée au centre-ville de Toronto à Brookfield Place. Le but était d’éduquer et d’inspirer le public sur l’importance de protéger les Grands Lacs. Pendant presque deux ans j’ai travaillé sur ce projet, j’ai fait de la recherche sur l’importance de l’eau à la communauté autochtone, j’ai produit et photographié les œuvres, j’ai aussi conceptualisé l’exposition et je l’ai promue. Photographier les Grands Lacs et apprendre autant sur la création d’une exposition à grande échelle furent des expériences inoubliables. La partie la plus percutante du projet était la co-création et la collaboration avec des artistes et des communautés autochtones parvenant des Première Nations Wasauksing, Six Nations de Grand River, Première Nation M’Chigeeng et Première Nation Aamjiwnaang. Cette expérience a changé ma relation avec l’eau, au lieu de la voir comme une ressource, je la vois maintenant comme une partie vivante dynamique de la nature. Depuis, ma perspective sur la vie a changé et je suis plus consciente de mes actions et comment elles affectent le reste de notre planète. photoED: Y-a-il des photographies ou aventures qui se démarquent et auxquelles vous pensez encore aujourd’hui? Meaghan: Par le biais de ma discipline, photographe sous-marine, je connecte avec des gens partout dans le monde qui ont les mêmes intérêts que moi. En février 2012, j’ai fait partie d’une expédition dans les eaux de Saint Vincent et les Grenadines en bateau à voile à bord du navire Diatomée. Je n’avais jamais fait de voile et je n’avais pas rencontré les trois personnes avec qui je serais à bord pendant une semaine. Ce fut une folle aventure, nous avons amarré et jeté l’encre très proche d’une île déserte, nous avons nagé jusqu’à la rive et mis pied sur une île sauvage. J’ai tellement appris grâce à mes coéquipiers sur la voile, la plongée en apnée, la photographie sous-marine et l’océan. Nous étions tous de différents pays - la France, l’Espagne et le Canada - et nous avons partagé bien des histoires de nos pays d’origine. C’est une expérience que je n'oublierai jamais. photoED: Quels sont vos projets photographiques qui vous emballent le plus en ce moment? Meaghan: L’année dernière, j’ai concentré sur mon apprentissage de l’éclairage et de la cinématographie sous-marine afin d’expérimenter des nouvelles techniques. En ce moment je travaille sur la conception de nouveaux projets, alors je n’ai pas d' œuvres à partager pour l’instant mais je peux vous dire que je suis tombée amoureuse des forêts de varech et j’ai bien hâte de les explorer davantage. Je vais me concentrer sur la création d'œuvres à grande échelle. De plus, j’arrive à l’instant de Raja Ampat en Indonésie. J’ai gagné un voyage qui m’a permis de plonger d’un bâteau bâti spécifiquement pour la plongée. Raja Ampat est reconnu comme étant “le dernier paradis sur terre” à cause de sa riche biodiversité. Étant un endroit isolé, ceci lui a permis d’échapper au tourisme et d’être un des projets de conservation les plus réussis sur terre. Lors de ma visite j’ai vu beaucoup de plastique et déchets dans l’océan ainsi que d’autres bâteau de plongée et simple bâteau non réglementés aux sites de plongée. Les récifs coralliens de Raja Ampat voit maintenant des dégradations de corail, une pollution de plastique croissante, des dommages causés par les encres et les frappes de bâteaux par l’arrivée des touristes et la pénurie d’infrastructure adéquate. C’était très triste de voir que ce “dernier paradis” était si vulnérable à la destruction. Ayant été témoin de sa beauté et la menace imminente de ce paradis je veux prendre action et je veux utiliser mon travail pour sensibiliser les gens. Je me penche la dessus. photoED: Votre projet de rêve consiste en quoi? Meaghan: D’être engagée par National Geographic pour un projet quelconque. C’est mon rêve depuis que je suis toute petite! Je ne veux pas tenter mon sort mais j’ai fait une demande de bourse auprès d’eux et j'espère travailler sur ce projet l’année prochaine. Pendant les trois dernières années, ma démarche vise le documentaire et la photographie des animaux sauvages. J’ai un côté artistique fort alors un autre projet de rêve serait de produire une séance photographique sous-marine de haute qualité dans une piscine avec un budget sans limite. J’ai des idées pour des photographies et pour un court métrage. ÉQUIPEMENT: Quelle caméra et quel équipement utilisez-vous? Pouvez-vous partager votre expérience avec les objectifs Tamron? Meaghan: Je suis limitée sur ce que je peux utiliser sous l’eau vu que les boîtiers de caméra sous-marine sont bâti selon des caméras et de lentilles spécifiques. Actuellement j’utilise une Canon 5D Mark II avec une lentille 17-40mm 4.0 et un boîtier Ikelite. Je travaille ainsi depuis des années et j’utilise une lentille à grand angle pour la plupart de mes images alors c’est super d’essayer la lentille Tamron SP 35mm F1.4 lens afin d’obtenir une profondeur de champ moins profonde, expérimenter avec bokeh, et d’obtenir une perspective plus rapprochée de mes sujets. Tamron m’ont généreusement prêté leur lentille 35mm pour mon récent voyage à Raja Ampat. Les conditions lors de la séance photo furent difficiles, pluies abondantes et les puissants courants ont amené plancton et algues. Ces pluies ont affecté la visibilité mais sur le positif elles ont amené beaucoup de vie marine. L’autofocus de la lentille 35mm est vraiment fiable lors d’une faible luminosité et visibilité, alors j’était très heureuse de l’avoir avec moi. Elle était versatile, elle me permettait de prendre des images plus larges de bancs de poissons et aussi de prendre des images de près des coraux, les renommés de Raja Ampat. C’était une lentille multifonctionnelle sous l’eau et sur terre pour capturer des petits insectes et des paysages marins. Meaghan fut invitée par plusieurs musées afin d'exposer ses œuvres entres autres à la Galerie d’Art de l’Ontario, le Musée d’Art Oceanside en Californie, Le Festival L’Homme et la Mer en France et le Centre DGI Byen à Copenhagen, Denmark. De plus elle a participé à plusieurs résidences artistiques telles l’École d’Art Visuel à New York, Artscape Gilbraltar sur l’île de Toronto, Art Tahsis sur l’île de Vancouver et la résidence à bord du bateau à voile Diamotée sur la mer des Caraïbes. En 2021 elle a reçu une bourse du Conseil des Arts du Canada qui lui a permis de suivre une formation en cinématographie sous-marine sur la mer Rouge. Elle a bénéficié de plusieurs commandes d'œuvres d’art public qui incluent une commande pour les Jeux Pan Américain à Toronto en 2015, elle a créé “Requiem of Water” (Requiem d’Eau), une installation photo de grand format qui fut exposée à Allen Lambert Galleria dans Brookfield Place à Toronto. Elle a aussi créé une murale digitale, “Here and Now” (Ici et Maintenant) en 2021, pour le village de Lakeview à Mississauga, ON. Après avoir gagné le prix qui lui a permis de voyager et plonger à Palau, une des plus grandes zones marines protégées au monde, elle se concentra sur une défense passionnée de l'eau. Nous avons discuté avec Meaghan Ogilvie de sa pratique d’Art Visuel. Autres œuvres de Meaghan - ICI. La lentille Tamron préférée de Meaghan - ICI! www.tamron-americas.com

Nous avons eu un entretien avec le photographe Adam Borman afin de discuter de sa pratique artistique, passant de l’histoire de l’Art aux objectifs zoom. Une entrevue avec photoED Magazine. photoED: À travers la photographie vous créer des histoires, qu’est-ce qui vous plaît le plus dans cette pratique? Adam: Je crois que la photographie nous offre l’opportunité de créer simultanément quelque chose d’authentique, documentaire, organisé et manufacturé. Saisir une scène qui est devant nous et ensuite la manipuler à travers diverses techniques offre des possibilités infinies, celles-ci nous permettent de manipuler ce qui est devant l’objectif vers une autre histoire. Ceci m’emballe. photoED: Quelle œuvre artistique inspire la votre? Adam: Afin de trouver de l’inspiration j’essaie de passer un peu plus de temps à observer d’autres formes d’Art plutôt que juste la photographie. Récemment j’ai découvert mon intérêt pour la peinture et l’histoire de l’Art. J’ai trouvé sur YouTube un professeur qui télécharge ses cours alors je regarde son cours d’histoire de l’Art. Je trouve l’analyse des peintures ainsi que d’apprendre comment les artistes travaillent la composition et la lumière fascinants. Quelques-uns de mes peintres favoris sont René Magritte, Kazimir Malevich et Joan Miró. photoED: D’après vous qu’est-ce qui constitue une bonne photo? Adam: Je suis un photographe méthodique c’est-à-dire que je planifie et organise tout plutôt que de saisir l’image instantanément comme le ferait un photographe documentaire. Je préfère de beaucoup le processus qu'amène la préproduction au développement d’une scène: déterminer ce qui doit être dans la scène tels: l’utilisation de couleur, décor, accessoires, vêtements, etc. J’aime ce processus, celui de rassembler tous ces éléments et construire une composition. Pour moi, je sais que j’ai réussi une bonne photo lorsque tous ces éléments fonctionnent bien ensemble sur le plateau. photoED: Quelle influence votre travail en photographie a-t-il eu sur vous? Adam: La photographie m’a offert une belle introduction et passerelle vers d’autres formes d’Art et Design. Ce médium m’a fourni des compétences et des connaissances de base qui m’ont donné l’opportunité d’apprécier plus profondément la peinture, les arts graphiques, l’architecture, et encore. C’est difficile de vraiment comprendre quelque chose lorsque l’on n’a pas d’expérience avec celle-ci, je suis reconnaissant envers la photographie car elle m’a présenté une ouverture vers ces autres trajets et sujets que je n’aurais autrement pas découvert. photoED: Quel est le projet qui vous a affecté le plus personnellement? Adam: Un de mes plus récents projets personnels consiste à recréer une recette de ma grand-mère et de la capturer de façon à me pousser créativement. Dans ma jeune enfance je voyais ma grand-mère presque tous les samedi matins, plusieurs de ces matins étaient passés dans la cuisine à cuisiner. Ses tartes étaient reconnues par la famille. Ma grand-mère est décédée en Février 2020 suivant le début de la pandémie. Finalement en 2022 avec la pandémie dans le rétroviseur j’ai commencé à explorer mes émotions et à concevoir ce projet en sa mémoire. En regardant ses vieux livres de recettes j’ai décidé de recréer sa tarte aux fraises. J’ai passé du temps à feuilleter les albums photos de famille et des photos d’elle dans sa cuisine. Comme j’ai mentionné plus haut, les étapes de conceptualisation et de pré-production sont très importantes dans ma pratique. En distillant ces informations archivées j’ai décidé de capturer sa tarte aux fraises de façon à la représenter véritablement. Je pense souvent à la maison de ma grand-mère. C’est intéressant de réfléchir à des endroits qui ont été importants selon certains moments de notre vie mais qui ne peuvent plus être visités. Je voulais que le plateau de tournage soit inspiré par sa maison alors j’ai trouvé des vieux panneaux de bois qui ont agis comment arrière plan et, comme surface, un comptoir en vinyle blanc. Les deux étaient semblables à ceux qu’elle avait dans sa maison. Les vêtements du mannequin étaient inspirés par les chandails qu’elle portait souvent. Finalement tous ces éléments réunis ensemble fini par aboutir à une image très importante pour moi personnellement - une chose qui résume mes souvenirs les plus forts et une association physique de sa présence. photoED: Quels sont les projets sur lesquels vous travaillez présentement et que nous pourrons voir dans un futur proche? Adam: Je travaille sur un projet personnel qui est inspiré de mes peintres favoris et d’autres artistes. Lorsque je commence un projet personnel j’essaie toujours de faire quelque chose que je n’ai jamais fait. Je tiens à me mettre au défi créativement et de retravailler ma vision. Lorsque l’on travaille avec des clients nous n’avons pas l’opportunité d’essayer de nouvelles choses. Élaborer une pratique visuelle est accomplie lors de mon temps seul. J’ai tendance à exposer mon travail de manière digitale, ce qui est bien, mais l’intention pour ce projet est qu’il soit exposé dans le contexte d’une galerie. Je suis ravie de travailler sur une œuvre qui offre une expérience tactile au public. photoED: Quels conseils donneriez-vous aux autres photographes? Adam: Une de mes mauvaises habitudes, et celle dont je suis toujours en voie d'améliorer, est celle de créer des œuvres qui sont vraiment pour moi. C’est important pour un photographe de se mettre derrière la caméra afin d’avoir un échappatoire créatif, mais c’est très facile, tout au moins pour moi. Je crois que tout photographe améliore sa créativité en travaillant son médium ayant pour but des projets personnels. Réaliser la vision créative de quelqu’un d’autre ou d’un dossier de production peut nous vider éventuellement. Mes conseils pour d’autres photographes seraient de créer pour eux-mêmes autant que possible afin de ne pas perdre l’étincelle d’origine ainsi que l’intérêt qu’ils avaient à prime abord de la photographie. J’ai créé ses images avec l’objectif Tamron 70-200mm à 200mm. Cette longueur optique compresse la scène et offre une composition distincte. ÉQUIPEMENT: Quelle caméra et quel équipement utilisez-vous? Pouvez-vous partager votre expérience avec les objectifs Tamron? Adam: Aujourd’hui toutes caméras sur le marché qui sont quasi décentes peuvent techniquement prendre d’excellentes images en autant que la personne derrière la caméra sait comment l’utiliser correctement. En ce moment j’utilise une Canon DSLR et j’aime bien le kit d’éclairage Broncolour. Je suis aussi intrigué par les opportunités d'utiliser des outils de façons différentes. J’ai trouvé l 'objectif Tamron bien construit et optiquement très fort. J’utilise un objectif zoom pour 90% de mon travail commercial et j’ai trouvé l’objectif 70-200mm de Tamron idéal car il fonctionne très bien à travers toutes les longueurs focales. La distorsion est minimale et l’acuité est excellente. J’ai remarqué qu’avec d’autres marques, la qualité de l’image diminue lorsque je zoom out ou zoom in. Photographier avec un objectif zoom permet une option versatile et ça c’est important pour moi. Pour la majorité de mes projets je n’ai pas besoin d’une large ouverture préférentielle. Plutôt j’ai besoin de quelque chose de flexible et qui me permet de capturer ce dont j’ai besoin avec le moins de résistance possible. J’ai trouvé l’objectif Tamron idéal pour mes explorations créatives. Adam Borman est un photographe commercial d’Edmonton qui travaille avec une grande variété de clients à travers le Canada. Sa pratique photographique commerciale est reconnue de par des perspectives créatives et la précision technique qu’il apporte à ses images tels au portrait, produit et l’architecture. Adam est représenté par Spark Photographers. ATB Financial, Canadian Western Bank, Hermès, Real Canadian Superstore, Rogers, et WestJet sont quelques-uns de ses clients. Adamborman.com Consultez les objectifs Tamron favoris d’Adam Bormans www.tamron-americas.com

From art history to zoom lenses, we spoke to photographer Adam Borman about his work... An interview with photoED Magazine photoED: What is it about creating stories through photography that you love most? Adam: I think photography offers the unique opportunity to create something authentic, documentary, curated, and manufactured, simultaneously. The possibilities in capturing a scene that's in front of you but then, through various techniques, being able to manipulate what was in front of the lens into a different story, are endless. That is really exciting for me. photoED: Whose work has influenced yours? Adam: I've been trying to spend more time looking at other forms of art as opposed to just photography for inspiration. Recently, I’ve become quite interested in painting and art history. There's a professor I’ve found on YouTube who uploads his lectures and I’ve been watching his art history class. I think it's fascinating to look at paintings and how artists work with composition and light to gain inspiration from it for my photography. Some of my favourite painters are René Magritte, Kazimir Malevich, and Joan Miró. photoED: What makes a good photograph? Adam: I'm a very methodical photographer in the sense that everything I shoot is quite planned out and produced as opposed to capturing images in a moment as a documentary photographer might. I much prefer the process of developing a scene in pre-production: determining what needs to go into that scene such as use of colour, set design, props, wardrobe, etc. I enjoy the process of bringing all those elements together and building a composition. For me, I know I have curated a good photograph when all those elements work well together on set. photoED: How has working in photography influenced you? Adam: Photography has been a great introduction and gateway into other forms of art and design for me. It’s provided me with a foundational skill set and knowledge base that has given me the opportunity to appreciate painting, graphic design, architecture, and more, in a deeper way. It’s difficult to ever fully understand something if you don’t have experience with it, and I’m thankful photography has introduced me to paths and topics I don’t think I would have otherwise discovered. photoED: What has been your most personally impactful project to work on? Adam: A recent personal project involved recreating one of my grandmother's recipes and capturing it in a way that challenged me creatively. Growing up I saw my grandmother nearly every Saturday morning and many of those mornings were spent in her kitchen baking. She was very well known in our family for the pies she made. My grandmother passed away in February 2020 and directly following that was the start of the pandemic. Finally with the pandemic in the rearview mirror in 2022, I began to process my emotions and conceive of the project I wanted to create in her memory. Looking through her old recipe books I decided to recreate her strawberry pie recipe. I spent some time looking through family albums and pictures taken of her in her kitchen. As I mentioned, conceptualization and pre-production phases are very important to my work. Distilling this archival information, I decided to capture her strawberry pie recipe in a way that truly represented her. My grandmother’s house is something I find myself thinking about often. It’s interesting to reflect on places that are important to certain periods of one’s life but can no longer be visited. I wanted the set to be inspired by her home so I found some old wood panelling as a backdrop wall and a white vinyl countertop as a surface. Both are similar to what she had in her home. The model's wardrobe was inspired by the sweaters she would often wear. Finally, bringing all of these elements together resulted in a very meaningful image for me personally — something that encapsulates my strongest memories and physical associations of her. photoED: What projects can we look forward to seeing from you in the near future? Adam: I'm working on a personal project inspired by some of my favourite painters and other artists. When I take on a new personal project, I always seem to try to be doing something I haven't done before. It’s important for me to challenge myself creatively and rework my vision. When working with clients, you don't necessarily get the opportunity to try new things. Crafting a personal creative vision is really done during alone time for me. I tend to show my work only digitally, which is all right, but the intent for this project is to be displayed as a gallery exhibition. I’m excited about working on something that results in a more tactile experience for viewers. photoED: What advice would you give to other photographers? Adam: A bad habit of mine and something I'm forever working on is creating work that is truly just for myself. Shooting purely as a creative outlet is so important for a photographer, but it is very easy, at least for me, to get wrapped up in client work with little time and, most importantly, little energy and motivation to make something for myself. I think any photographer improves creatively by making work that is solely for themselves. Fulfilling someone else's creative vision or production brief can become draining after a while. My advice to other photographers would be to create for yourself as often as you can so as not to lose the original spark and interest that got you excited about photography in the first place. I created these images by shooting at 200mm, with the Tamron 70-200mm. Using this focal length not only compresses my scene but offers a distinct composition. GEAR UP: What camera and equipment do you use? Can you tell us about your experience using a Tamron lens? Adam: Any semi-decent camera on the market right now is at the point technically where if the person knows how to use it correctly, they can take a great image. I currently shoot with a Canon DSLR, and I am quite keen on my Broncolor lighting kit. I’m also intrigued by any opportunity to use a tool in a new way. After shooting with a Tamron lens, I found it to be well built and optically quite strong. For 90 percent of my commercial work, I use zoom lenses and found the Tamron 70-200mm ideal because it worked really well across all focal lengths. Distortion was minimal and the sharpness is great. I have found with other brands, things can start to look not so good when fully zoomed out or fully zoomed in. Shooting with a zoom lens is a very versatile option, and that’s what's important to me. The majority of what I shoot I don't need the sharpest and widest aperture prime. What I need is something that is flexible and can get me the shot I need with the least amount of resistance. I found the Tamron lens to be a really good fit for my creative explorations. Adam Borman is an Edmonton-based commercial photographer, working with a wide variety of clients from across Canada. Creative perspectives and technical precision are his signature in his portrait, product, and architecture photography. Adam’s advertising work is represented by Spark Photographers. Select clients include ATB Financial, Canadian Western Bank, Hermès, Real Canadian Superstore, Rogers, and WestJet. Adamborman.com Check out Adam Bormans fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com