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Paris Photo is the world’s largest art fair dedicated to the photographic medium , held each November at the Grand Palais in the heart of Paris. Alan Bulley attended the 27th edition of the event to share his experience of 200+ international exhibitors, offering the most diverse, qualitative presentations of photography projects today. “This is massive.” That was my first thought as I entered the Grand Palais  for the preview of Paris Photo 2024, the night before the fair was to begin officially. And my opinion didn’t change over the four-day run from November 7-10. There is just no way to avoid being overwhelmed by the scale of the show, the quality of work on display, and the talent this event attracts. Not only is there an enormous amount of work to see and talks to attend under one roof (the Grand Palais itself), but there are also many nearby events and venues where you can buy photobooks and see more work by both the well- and less-known. Only a handful of cities in the world can put on a show like this, and Paris is certainly in the front rank. You can brush shoulders with Ed Burtynsky  and David Company  at the Palais, listen to photographic artists like Debi Cornwall  and Max Pinckers  discuss their new books, and then wander a few minutes away to the Polycopies  book sale aboard a barge anchored on the banks of the Seine and ask Todd Hido  to sign a copy of his latest for you (I know I did). If that’s not enough, you can venture only slightly further afield to the Offprint photobook salon at Pavillon de l’Arsenal, or hop over to the fringe-y event put on by Réseau LUX  and have your portfolio reviewed and see interesting work displayed in a venue that certainly cost less than a booth at the Grand Palais. Always keeping an eye out for Canadian content, it was good to see ESSE  magazine represented at several venues, not only at Paris Photo but also at the Jeu de Paume  (where Tina Barney  and the late Chantal Akerman had retrospectives). And it was particularly enjoyable to spend some time talking to Montreal-based artist Caroline Mauxion , who was showing work in the booth belonging to Zalucky Contemporary , the Toronto gallery that represents her. Born and raised in France, Caroline completed her MFA at the Université du Québec à Montréal and is now well into her PhD program there. Her ongoing work is an exploration of her own experience of extended orthopedic treatments through a compelling hybrid practice comprising photography, collage, and sculpture. Caroline describes the work as a way to help her reappropriate her own body, its strengths, and its sexuality. While the act of photographing can sometimes distance, the inclusion of collage recalls the cutting and reshaping of her own body, and the sculptural elements rendered in muted pinks and greys reference bone and ligament, and are themselves formed from metal rods, plastic, and plaster—the basic toolkit of the orthopedic surgeon. Inverted black and white images bring x-rays to mind and flip the shadows of treatment for light and hope. The colour palette and the technique combine to speak of the feminine and the mechanical in a way that invites the viewer to reflect on the body’s vulnerabilities and strengths, and Caroline’s own journey that is still touched by chronic pain. Altogether, a human and thoughtful body of work that draws on a worked—and working—body. Caroline Mauxion’s work also served to highlight for me a final impression from Paris Photo 2024: little cutting-edge work now relies on ‘straight photography.’ Even documentary, with a clear line of sight back to the origins of the medium, draws today on a rich brew of images, artifacts, physical objects, archival material, and imagined and re-enacted scenes. And that is before we begin to acknowledge the wave of digital imagery and AI-based scenes that towers over us. It was all well-represented in Paris and challenges us to consider again photography’s perpetually loose relationship to ‘the truth,’ alongside a rich new set of tools, techniques, and tales. Yes, it’s massive. And it’s exciting. Did you enjoy this FREE read? Consider supporting us! For as little as $2./ month we'd love your support to continue producing great content for you to enjoy!   • JOIN US AS A PATRON   • SUBSCRIBE FOR PRINT DELIVERY   • GET DIGITAL ISSUUS   Follow us on Instagram, Patreon , Facebook , and Instagram , and sign up for our e-newsletter to keep up with all our adventures!

Karene-Isabelle Jean-Baptiste est une photographe basée à Montréal qui s'intéresse à capturer des moments éphémères de magie. photoED Magazine a parlé avec Karene-Isabelle de son travail. Elle a été sélectionnée comme Femme de l'Année 2020 par Best Health Magazine pour son projet photo sur les femmes noires dans le secteur de la santé. En 2021, elle a reçu une subvention du journal La Presse pour la diversité en photojournalisme, et en 2022, elle a remporté un prix Nikon USA des Black Women Photographers. photoED: Votre profession jusqu’à il y a peu de temps était l’ingénierie. Comment et pourquoi avez-vous décidé de vous lancer dans la photographie à plein temps? Karene-Isabelle: Il y a parfois une synchronie dans les choses dont nous n’avons pas pleinement conscience. Pendant un certain temps j’avais constaté mon mécontentement en tant qu’ingénieur industriel, et l’idée de continuer dans ce métier jour après jour jusqu’à ma retraite me drainait mentalement. Début 2020, j’ai décidé de tenter ma chance en me lançant dans la photographie à plein temps. Lorsque la pandémie a éclaté cette année-là, il m’a soudainement paru urgent de créer un travail qui s'adresse au monde tel qu’il se déployait autour de moi. Ce sentiment d’urgence et mon besoin de documenter cette période exceptionnelle m’ont conduit à créer ma série "Black Women in the Time of the Pandemic". C’est ce projet qui a déclenché d’autres opportunités et a rendu possible mon passage à la photographie à plein temps. photoED: Votre travail semble demander peu d’effort de part sa beauté simple et son utilisation envoûtante de la couleur. Que souhaitez-vous que les spectateurs sachent et comprennent sur tout le travail qui se déroule en coulisses pour créer une image? Karene-Isabelle: Mon travail est fortement inspiré par la peinture et le monde naturel. J’ai toujours été fascinée par le pouvoir de la couleur et sa capacité à nous faire ressentir des émotions profondes. Je souhaite que mon travail reflète cela. Je commence souvent avec une couleur spécifique en tête et je travaille à l’intégrer dans ma palette. Souvent je consulte avec un ami qui a un sens du design incroyable, et nous travaillons vraiment bien ensemble. Nous échangeons des idées et, d'une manière ou d'une autre, nous semblons toujours nous rencontrer exactement au bon endroit créativement. J’en suis très reconnaissante. photoED:  Qu’est-ce que vous aimez le plus dans la création d’histoires à travers la photographie?   Karene-Isabelle: Je suis une lectrice avide et j’ai toujours été impressionnée par la capacité des écrivains à créer des mondes dans lesquels un lecteur peut s’immerger totalement. Je partage ce désir de créer un monde qui m’est propre. La photographie m’offre cette opportunité et j’en suis reconnaissante. J’aime guider les gens dans une histoire, une idée ou une communauté à laquelle ils n’auraient peut-être jamais pensé mais à laquelle ils ont maintenant accès à travers les images que j’ai créées. photoED: Le travail de qui a influencé le vôtre? Karene-Isabelle: J’ai été influencée par de nombreuses personnes, mais il y en a trois qui se démarquent pour moi. Le premier est certainement Gordon Parks, que j’ai toujours vu comme un homme de la Renaissance. J’aime son utilisation de la couleur, la variété de ses projets (mode, cinéma, photojournalisme) et son point de vue distinct. J’adore le travail de Yousuf Karsh. Les portraits qu’il a créés sont iconiques et, dans de nombreux cas, les images définitives par lesquelles ses sujets sont connus. Je reviens souvent à son travail lorsque je cherche à créer mes propres portraits. Enfin, je suis une véritable fan de Malick Sidibé. Je me souviens d’avoir découvert sa Nuit de Noël dans un magazine un jour et je l’ai immédiatement découpée. Cela m’a conduit à rechercher son travail et à découvrir une liberté, une simplicité et une honnêteté qui m’influencent encore aujourd’hui. photoED: Qu’est-ce qui rend une photo réussie? Karene-Isabelle: Une bonne photo est saisissante. Elle nous emmène dans un lieu qui semble familier tout en étant inattendu. Elle nous pousse à s’attarder, à nous interroger, à ressentir. Elle nous attire, malgré nous. photoED: Comment votre travail en photographie vous a-t-il influencé personnellement? Karene-Isabelle: Mon travail en photographie m’a rendue beaucoup plus déterminée et prête à prendre des risques. Être photographe implique beaucoup de présentation de projets, de soumissions de travaux et d’approcher de personnes inconnues. Cela implique souvent beaucoup de rejets, et cela m’a amenée à comprendre et à accepter que le mot “non” fait partie du monde dans lequel j’évolue. Ce n’est pas un indicateur de la valeur de mon travail ou de moi-même en tant que personne. D’une certaine manière, la photographie m’a appris à faire les choses tout en ayant peur. Cela m’a également aidée dans d’autres domaines en dehors de mon travail. photoED:  Quel a été votre projet ou aventure préféré ou qui vous a le plus marqué personnellement?   Karene-Isabelle: Mon travail sur les femmes noires dans le secteur de la santé est sans aucun doute mon projet préféré et le plus marquant. La réaction des sujets, de d’autres femmes travaillant également dans le domaine médical, et du grand public a été extrêmement positive. Je voulais placer les femmes noires dans le contexte de la pandémie et montrer comment elles ont contribué à la société canadienne pendant ce qui était indéniablement une période très difficile. Je voulais qu’elles soient vues. Il était également important pour moi de rompre avec le mythe de la femme noire puissante. Je voulais que les femmes soient perçues comme fortes, oui, mais aussi comme vulnérables et effrayées. Il était important de montrer leur humanité et de leur donner une voix dont elles se sentaient privées. Beaucoup ont pris contact pour dire que ce projet les avait enfin fait sentir vues. photoED:  Quel est votre projet de rêve? Où espérez-vous que la photographie vous mènera à l’avenir? Karene-Isabelle: Mon projet de rêve consiste à explorer le quartier de Montréal où je vis : Montréal-Nord. Je veux réaliser un travail pour contrer les stéréotypes négatifs existant sur la région et montrer ce que c’est vraiment de vivre ici et la beauté qui s’y trouve. C’est un quartier populaire où les gens travaillent dur, mais sa mauvaise réputation est injustifiée. Je voudrais réaliser ce travail dans le même esprit que ce qui a été fait par Jamel Shabazz dans les années 80 à New York : brut, honnête et plein d’espoir. Mon espoir pour ma photographie est qu’elle apporte joie et amour à mes sujets. J’aimerais aussi que mon travail soit un jour collectionné par des galeries pour la postérité. J’aimerais pouvoir dire que je suis venue, j’ai révélé et j’ai changé certaines perceptions. GEAR UP Quel appareil photo et quel équipement utilisez-vous le plus maintenant? Quel est votre objectif préféré? Parlez-nous de votre expérience avec les objectifs Tamron? Karene-Isabelle: J’utilise principalement mon Canon 5D Mark II. C’est un vieux modèle, mais un bon modèle. Je l’ai acheté il y a de nombreuses années et il est définitivement un travailleur acharné. Bien que j’apprécie un objectif fixe, j’ai été époustouflée et suis tombée amoureuse de l’objectif zoom Tamron 70-120 mm . Sa profondeur de champ est inégale. Il est net, rapide et léger à porter. La mise au point est aussi très fluide. Je n’avais jamais vraiment travaillé avec un objectif zoom de peur de perdre un peu de lumière, mais cet objectif a été un véritable changement pour moi et m’a fait reconsidérer ma position. Je ne suis pas une photographe technique et il a sûrement de nombreuses fonctionnalités pour plaire à d’autres utilisateurs, mais je sais simplement que j’adore prendre des photos avec cet objectif! See more of Karene-Isabelle Jean-Baptiste's work - HERE. Check out Karene-Isabelle Jean-Baptiste's Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Billed as the world’s greatest photo game, GuruShots is an international competition platform for photographers . Players get feedback from more than three billion monthly voters and try to work their way up through rankings, from Newbie to the ultimate status (and bragging rights) of Guru. GuruShots’ challenges are voted on by the platform’s Gurus and the wider community, with a fresh challenge every day. Winners can receive prizes from GuruShots’ sponsors such as Adorama, Kodak, Lowepro, and Lensbaby. The Extraordinary Architecture Challenge showcases architectural wonders from around the world. To find out more, and take part in the next challenge, visit www.gurushots.com Also, check out GuruShots’ newest app AI Art Master.

An interview with photoED Magazine Yvens B. is a Montreal-based commercial photographer specializing in portraiture and sports and fitness photography. With a background as a CPA in the technology industry and a passion for long-distance running and weightlifting, he’s a passionate entrepreneur who fell into photography after assisting a friend with music video production. He says, “I fell in love with the craft of light and cameras. In 2015, in an effort to become better at photography, I bought a couple of lights…. Countless head shots and photo shoots later, with over 36K+ social media followers, here I am!” photoED: Online, you teach thousands of people about the technical aspects of portrait photography. Tell us about the social media community you have created. How did you get started there, and what keeps you sharing? YVENS : I believe it is important to share what we know. I always like to refer to a Will Smith quote about books. He points out that reading is important because "There are gazillions of people that have lived before all of us. There's no new problem you could have….” While I am testing new ideas and encountering challenges in my everyday work, I believe that sharing how I overcame those challenges is beneficial to the community and me. While I haven’t written a book yet, approaching a problem publicly allows you to acid test your equipment, technique, and approach in an accelerated manner. This acid test pushes forward my creativity and depth of knowledge while helping others. Everyone wins. photoED: What do you love most about creating stories for yourself or your clients through photography? YVENS : There is something magical that happens when you receive an assignment from a client. While I love telling stories that come from my own mind, whenever I revisit some client work, I can’t help but feel proud of the fact that I was chosen to tell those stories through my vision. That vision matters. To further demonstrate the impact of the visual creator on your client’s work, I like to refer to books that get turned into movies. You can give the same book to two directors and get widely different results. Although the story was given to you by your client, how you frame it, light it, and give it life is mostly up to you. You are now an intricate part of that story. Even in your own personal projects, that marriage of ideas — from the subject, to the makeup artist, to your lens of choice, in my case, the Tamron 28-75mm f/ 2.8 G2 — gives birth to a creation that has a mix of different DNAs attached to it. Regardless of how many collaborators added their essence into a project, the pride of creation remains, and that is what I feel I can use as a trampoline for my next project. photoED:  Whose work has influenced yours?   YVENS : My portrait work has been influenced by many giants who share the path of sharing what they know. Not all are photographers. In no particular order, if I have to name names and how they changed the way I approach portraiture: Joey L. , a fellow Canadian, showed me that personal projects are the key to growth and getting more out of every aspect of photography. Tim Tadder for his stellar approach to high-production sports photography. Recently, I started loving the work of Justin Bettman , who has an immaculate choice of colours. I have to add another fellow Canadian director, Denis Villeneuve, who taught me lessons through his films that shattered the way I think about creating and remaining a hardworking dreamer. One of the last remaining great directors, David Fincher, taught me that demanding more out of your production is not a selfish act but shows respect to your final product. Finally, I love looking at paintings and seeing how artists who had more time on their hands crafted images that lasted through hundreds of years. To this day, we are fighting to preserve their art. Their work gives lessons that all of us can take to our own work. photoED: What makes a good photograph? YVENS : I believe a good photograph is like avoiding a plane crash at an airport. It’s a series of decisions that lead to a great final result. For portraits, I think I can grossly summarize it into three categories. If we start from the outer layers to the core, the technical elements have to be sound. A well-lit scene will capture attention, which is key in this day and age. Then, a great camera combined with a great set of lenses really helps smooth the way, as your equipment should not drag you down. For example, these portraits were all taken with the Tamron 28-75mm f/2.8 G2  and the Sony a7R V in the studio since they gave me the speed I needed to capture these quick moments. From the smooth zoom and ultra-fast autofocus, to the wide constant aperture, using the 28-75mm f/2.8 G2 removes a worry I don’t have to carry, allowing me to dedicate myself to the next important layer: the subject. With the previous two elements in place, having a great subject who you can direct to achieve your end goals — whether it is a client or a hired subject — will give you the best tool to shape the most important pillar. I emphasize that the photographer is the director, as you are responsible for the end result. By taking this approach, you create good pressure to avoid excuses and plan the three elements so every shoot goes smoothly. photoED: How has working in photography influenced you personally? YVENS : My background as a CPA helped me understand a few things about business, but working as a commercial and portrait photographer has ingrained those lessons into my day-to-day life. The principle of relationships first helped me understand business growth. The entrepreneurial nature of photography has deepened my need to self-start. I call it my R&D department. Whether it is working on new personal projects or developing a more hybrid style of serving my clients by incorporating motion into my offerings, being a full-time creator and photographer is similar to being filmed every day. You can see where you failed and what you need to work on. I take feedback very seriously and work hard to improve—1% better every day is the goal. photoED: What has been your favourite or most personally impactful project or adventure? YVENS : While I never had a breakthrough project, I think my coverage of the Speed Project taught me numerous lessons that I will feed on for a very long time. The Speed Project is a non-sanctioned 500 km (over 310 miles) running race from Los Angeles to Las Vegas. In collaboration with a good friend of mine who attempted the solo version of that race, I documented the athlete’s progress and the event over the course of a few months. My love for photography, sports, and especially long-distance running made this a dream project. With that said, the race didn’t end up where we wanted it to, as my friend got injured in the process. But from this trip, I managed to convert it into an even bigger project where, to sum it up, I didn’t sleep for 48 hours, crossed LA to Vegas over three times in four days, but never had more fun documenting an event. To this day, I look back at these portraits and can’t help but smile and relive those experiences. photoED:  Tell us about your hardest or most challenging day as a commercial photographer. What keeps you going on a hard day?   YVENS : While I cannot name names or point to any specific project to protect the integrity of my clients, the most challenging days are usually the ones where there is a communication breakdown. These often happen due to a lack of preparation and because some goals or roles were not clearly communicated. They occur more frequently when there are multiple layers between the client and the photographer. When these situations arise, I usually have two goals: “be the hero your client needs” and “fill the leadership void.” While the first goal is self-explanatory, the second helps achieve the first. In a nutshell, the leadership void is a principle that I learned from Jocko Willink, a Navy SEAL. He mentions that, in some structures, people will often back away as a problem arises. To be the hero, for example, you have to take on a new role as producer, coordinator, or anyone else on set who has the skillset to fix a problem. Sometimes, it’s just taking 10 minutes to sit everyone down, listing a few fixes, and choosing the best option. Sometimes, it’s calling a few people who have more experience and asking them for advice. Regardless of what happens, remembering those lessons, putting my ego aside, and taking a different look at the issue solves most problems. Always remember that you are the director on set. photoED:  What does your dream project entail? Where do you hope photography will take you in the future?   YVENS : Other than meeting some lofty business goals, I work to set up my work to tell stories that will live beyond me. In that bag of dreams, I want to document once-in-a-lifetime athletic achievements or journeys, adding perhaps a couple of movies to my resume, a book, and perhaps an art gallery exhibition of my work. I also hope that I can travel a lot more so that I can share my love for everything photography with equally passionate people around the world. That and working in collaboration with Denis Villeneuve (I’ll also accept David Fincher)! photoED:  What advice do you have for photographers just getting started?   YVENS : Anyone starting in commercial photography should think about relationship building. Don’t pitch. Don’t sell. Build relationships. These will be solid assets to further your career.  Following that, create the work you want to sell. Shoot often and share the good stuff you’ve created.  GEAR UP What camera and equipment do you most use? What’s your favourite lens? Tell us about your experience using Tamron lenses. YVENS : My current rig is a Sony a7R V with, of course, all Tamron lenses. I still have an older Sony A7R III as a backup. I am usually debating between two particular lenses: the Tamron 35-150mm f/2-2.8 and the 28-75mm f/2.8 G2. In this rotation, I also use the Tamron 70-180mm f/2.8 G2 for more still portraiture. Since I do a lot of press conferences and media coverage for the City of Montreal, I need something with a lot of range to capture those special moments with public officials. The 35-150mm f/2-2.8 helps me carry only one camera. But when I have to be really fast on my feet, like when I covered Montreal’s Hyrox competition or the Montreal Pride Parade, something ultra-lightweight and fast like the 28-75mm f/2.8 G2 is a godsend. I have enough range to be wide or look for moments by zooming in at 75mm. With all the Tamron lenses I own, I have the advantage of a constant aperture of f/2.8, allowing me to work in low light and get as much bokeh as I desire while having incredibly fast autofocus . Whenever I do more planned work, like on commercial sets, the 28-75mm f/2.8 G2 and the 70-180mm f/2.8 G2 are my lenses of choice. They are precise and work exactly up to my demands. I can close down to f/10 comfortably and keep the pristine 61MP of the Sony a7R V sharp and full of details. While I love the convenience of the 35-150mm f/2-2.8, I often go back to the 28-75mm f/2.8 simply because of the beautiful detail and resolution the lens offers while being light. See more of Yvens work - HERE. Check out Yvens B.'s favourite Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Yvens B. est un photographe commercial basé à Montréal, spécialisé dans la photographie de portrait ainsi que dans le sport et le conditionnement physique. Avec une formation de CPA dans l'industrie technologique et une passion pour la course de longue distance et l'haltérophilie, il est un entrepreneur passionné qui s'est tourné vers la photographie après avoir aidé un ami dans la production de clips musicaux. Il explique: «Je suis tombé amoureux de l'art de la lumière et des caméras. En 2015, pour m'améliorer en photographie, j'ai acheté quelques lumières… Après d'innombrables séances photo et portraits, avec plus de 36 000 abonnés sur les réseaux sociaux, me voici !» Nous avons parlé à Yvens B. de son travail. photoED: En ligne, vous enseignez les aspects techniques de la photographie de portrait à des milliers de personnes. Parlez-nous de la communauté que vous avez créée sur les réseaux sociaux. Comment avez-vous commencé et qu'est-ce qui vous motive à continuer de partager vos savoir? YVENS : Je crois qu'il est important de partager ce que nous savons. J'aime toujours faire référence à une citation de Will Smith sur les livres. Il souligne que la lecture est importante parce qu' «Il y a des milliards de personnes qui ont vécu avant nous. Il n'y a pas de nouveau problème que vous pourriez confronter…». Alors que je teste de nouvelles idées et rencontre des défis dans mon travail quotidien, je crois que partager la façon dont j'ai surmonté ces défis est bénéfique pour la communauté et pour moi. Bien que je n'aie pas encore écrit de livre, aborder un problème publiquement permet de tester de manière accélérée votre équipement, votre technique et votre approche. Ce test de résistance fait avancer ma créativité et la profondeur de mes connaissances tout en aidant les autres. Tout le monde y gagne. photoED: Á travers la photographie qu'est-ce que vous aimez le plus dans la création d'histoires tant en ce qui concerne votre pratique personnelle ou pour les projets de vos clients? YVENS : Il se passe quelque chose de magique lorsque vous recevez une mission d'un client. Bien que j'adore raconter des histoires qui viennent de mon propre esprit, chaque fois que je reviens sur un projet exécuté pour un client, je ne peux m'empêcher de me sentir fier du fait que j'ai été choisi pour raconter ces histoires à travers ma vision. Cette vision est importante. Pour démontrer davantage l'impact du créateur visuel sur le projet d’un client, j'aime faire référence aux livres qui sont adaptés en films. Vous pouvez donner le même livre à deux réalisateurs et obtenir des résultats largement différents. Bien que l'histoire ait été donnée par votre client, comment vous la cadrez, l'éclairez et lui donnez vie dépend principalement de vous. Vous êtes maintenant une partie intégrante de cette histoire. Même dans vos projets personnels, ce mariage d'idées — du sujet, au maquilleur, en passant par votre objectif de choix, dans mon cas le Tamron 28-75mm f/2.8 G2 — donne naissance à une création qui a un mélange de différents ADN. Peu importe combien de collaborateurs ont ajouté leur essence dans un projet, la fierté de la création demeure, et c'est ce que je considère comme un tremplin pour mon prochain projet. photoED:  Quel travail a influencé le vôtre?   YVENS : Mon travail de portrait a été influencé par de nombreux grands noms qui partagent ce qu'ils savent. Tous ne sont pas photographes. Sans ordre particulier, si je dois nommer des noms et expliquer comment ils ont changé ma manière d’aborder le portrait: Joey L. , un autre Canadien, m'a montré que les projets personnels sont la clé de la croissance et de l'optimisation de chaque aspect de la photographie. Tim Tadder pour son approche exceptionnelle de la photographie sportive à haute production. Récemment, j'ai commencé à aimer le travail de Justin Bettman, qui a un choix de couleurs impeccable. Je dois ajouter un autre réalisateur canadien, Denis Villeneuve, qui m'a enseigné des leçons à travers ses films qui ont bouleversé ma façon de penser á la création et de rester un rêveur travailleur. L'un des derniers grands réalisateurs restants, David Fincher, m'a appris que demander plus de votre production n'est pas un acte égoïste mais montre du respect pour votre produit final. Enfin, j'aime regarder les peintures et voir comment les artistes qui avaient plus de temps ont créé des images qui ont traversé les siècles. À ce jour, nous nous battons pour préserver leur art. Leur travail donne des leçons que nous pouvons tous appliquer à notre propre travail. photoED: Qu'est-ce qui rend une photographie réussie? YVENS : Je pense qu'une bonne photo est comme éviter un accident d'avion à un aéroport. C'est une série de décisions qui mènent à un excellent résultat final. Pour les portraits, je pense pouvoir résumer grossièrement en trois catégories. Si nous commençons par les couches extérieures jusqu'au cœur, les éléments techniques doivent être solides. Une scène bien éclairée captera l'attention, ce qui est crucial de nos jours. Ensuite, une bonne caméra associée à un bon ensemble d'objectifs aide vraiment à rendre les choses plus fluide, car votre équipement ne doit pas vous ralentir. Par exemple, ces portraits ont tous été réalisés avec le Tamron 28-75mm f/2.8 G2 et le Sony a7R V en studio car ils m'ont donné la vitesse dont j'avais besoin pour capturer ces moments rapides. De la mise au point fluide et ultra-rapide, à l'ouverture constamment large, l'utilisation du 28-75mm f/2.8 G2 supprime une préoccupation que je n'ai pas à porter, me permettant de me concentrer sur la prochaine couche importante : le sujet. Avec les deux premiers éléments en place, avoir un excellent sujet que vous pouvez diriger pour atteindre vos objectifs finaux — qu'il s'agisse d'un client ou d'un mannequin — vous donnera le meilleur outil pour façonner le pilier le plus important. Je souligne que le photographe est le réalisateur, car vous êtes responsable du résultat final. En adoptant cette approche, vous créez une bonne pression qui vous aidera à éviter les excuses et à planifier les trois éléments nécessaires afin que chaque séance se déroule bien. photoED: Comment le travail en photographie vous a-t-il influencé personnellement? YVENS : Mon passé en tant que CPA m'a aidé à comprendre certains aspects des affaires, mais travailler en tant que photographe commercial et de portrait a ancré ces leçons dans ma vie quotidienne. Le principe des relations d'abord m'a aidé à comprendre la croissance des affaires. La nature entrepreneuriale de la photographie a approfondi mon besoin de prendre des initiatives. Je l'appelle mon département R&D. Que ce soit en travaillant sur de nouveaux projets personnels ou en développant un style plus hybride pour servir mes clients, être un créateur et photographe à plein temps est similaire à être filmé tous les jours. Vous pouvez voir où vous avez échoué et ce sur quoi vous devez travailler. Je prends la critique très au sérieux et travaille avec ardeur afin de m'améliorer — 1% mieux chaque jour est l'objectif. photoED: Quel a été votre projet ou aventure préféré ou celui qui vous a le plus marqué personnellement? YVENS : Bien que je n'aie jamais eu de projet révolutionnaire, je pense que ma couverture du Speed Project  m'a appris de nombreuses leçons que je vais chérir pendant longtemps. Le Speed Project  est une course de 500 km (plus de 310 miles) non sanctionnée de Los Angeles à Las Vegas. En collaboration avec un bon ami qui a tenté la version solo de cette course, j'ai documenté les progrès de l'athlète et l'événement pendant quelques mois. Mon amour pour la photographie, le sport, et surtout la course de longue distance a fait de ce projet un rêve. Cela dit, la course ne s'est pas terminée comme nous le voulions, car mon ami s'est blessé en cours de route. Mais de ce voyage, j'ai réussi à le transformer en un projet encore plus grand où, pour résumer, je n'ai pas dormi pendant 48 heures, j'ai traversé LA à Vegas plus de trois fois en quatre jours, mais je ne me suis jamais autant amusé à documenter un événement. Aujourd'hui encore, je regarde ces portraits et je ne peux m'empêcher de sourire et de revivre ces expériences. photoED:  Parlez-nous de votre jour le plus difficile ou le plus exigeant en tant que photographe commercial. Qu'est-ce qui vous motive lors d'une journée difficile?   YVENS : Bien que je ne puisse pas nommer de noms ou pointer des projets spécifiques pour protéger l'intégrité de mes clients, les journées les plus difficiles sont généralement celles où il y a une défaillance de communication. Cela se produit souvent en raison d'un manque de préparation et parce que certains objectifs ou rôles n'ont pas été clairement communiqués. Elles surviennent plus fréquemment lorsqu'il y a plusieurs couches entre le client et le photographe. Lorsque ces situations se présentent, j'ai généralement deux objectifs : «être le héros dont mon client a besoin » et « combler le vide de leadership». Bien que le premier objectif soit explicite, le second aide à atteindre le premier. En résumé, le vide de leadership est un principe que j'ai appris de Jocko Willink, un Navy SEAL. Il mentionne que, dans certaines structures, les gens se reculent souvent lorsqu'un problème survient. Pour être le héros, par exemple, vous devez assumer un nouveau rôle de producteur, coordinateur, ou toute autre personne sur le plateau ayant les compétences pour résoudre un problème. Parfois, il suffit de prendre 10 minutes pour rassembler tout le monde, énumérer quelques solutions et choisir la meilleure option. Parfois, il s'agit d'appeler quelques personnes ayant plus d'expérience et de leur demander des conseils. Peu importe ce qui se passe, se souvenir de ces leçons, mettre mon ego de côté et examiner le problème sous un autre angle résout la plupart des problèmes. Souvenez-vous toujours que vous êtes le réalisateur sur le plateau. photoED:  Quel est votre projet de rêve? Où espérez-vous que la photographie vous mène à l'avenir?   YVENS : En dehors de la réalisation de certains objectifs commerciaux ambitieux, je travaille à mettre en place mon travail pour raconter des histoires qui vivront au-delà de moi. Dans cette collection de rêves, je veux documenter des réalisations ou des voyages athlétiques uniques dans une vie, ajouter peut-être quelques films à mon CV, un livre, et peut-être une exposition en galerie de mon travail. J'espère également pouvoir voyager beaucoup plus afin de partager mon amour pour la photographie avec des personnes également passionnées à travers le monde. Cela et collaborer avec Denis Villeneuve (je suis aussi ouvert à David Fincher)! photoED:  Quels conseils donneriez-vous aux photographes qui débutent?   YVENS : Quiconque commence dans la photographie commerciale devrait penser à construire des relations. Ne faites pas de pitch. Ne vendez pas. Construisez des relations. Ce seront des atouts solides pour faire avancer votre carrière. Ensuite, créez le travail que vous souhaitez vendre. Photographiez souvent et partagez les bonnes choses que vous avez créées. GEAR UP Quelle est la caméra et l'équipement que vous utilisez le plus actuellement? Quel est votre objectif préféré? Parlez-nous de votre expérience avec les objectifs Tamron. YVENS : Mon équipement actuel est un Sony a7R V avec, bien sûr, tous les objectifs Tamron. J'ai encore un Sony A7R III plus ancien comme équipement de secours. Je suis généralement en train de débattre entre deux objectifs particuliers : le Tamron 35-150mm f/2-2.8 et le 28-75mm f/2.8 G2. Dans cette rotation, j'utilise également le Tamron 70-180mm f/2.8 G2 pour la photographie de portrait plus statique. Comme je fais beaucoup de conférences de presse et de couverture médiatique pour la Ville de Montréal, j'ai besoin de quelque chose avec une grande portée pour capturer ces moments spéciaux avec les fonctionnaires publics. Le 35-150mm f/2-2.8 m'aide à n'emporter qu'un seul appareil. Mais lorsque je dois être vraiment rapide, comme lorsque j'ai couvert la compétition Hyrox de Montréal ou la Parade de la Fierté de Montréal, quelque chose d' ultra-léger et rapide comme le 28-75mm f/2.8 G2 est une bénédiction. J'ai assez de portée pour être large ou chercher des moments en zoomant à 75mm. Avec tous les objectifs Tamron que je possède, j'ai l'avantage d'une ouverture constante de f/2.8, ce qui me permet de travailler dans des conditions de faible luminosité et d'obtenir autant de bokeh que je le souhaite tout en ayant un autofocus incroyablement rapide. Chaque fois que je fais un travail plus planifié, comme sur des plateaux commerciaux, le 28-75mm f/2.8 G2 et le 70-180mm f/2.8 G2 sont mes objectifs de choix. Ils sont précis et répondent exactement à mes exigences. Je peux fermer à f/10 confortablement et garder les 61 MP du Sony a7R V nets et détaillés. Bien que j'apprécie la commodité du 35-150mm f/2-2.8, je reviens souvent au 28-75mm f/2.8 simplement en raison des détails et de la résolution magnifiques que l'objectif offre tout en étant léger. Voir plus du travail de Yvens B. - ICI. + Découvrez l'objectif préféré de Yvens - ICI! www.tamron-americas.com

Billed as the world’s greatest photo game, GuruShots is an international competition platform for photographers . Players get feedback from more than three billion monthly voters and try to work their way up through rankings, from Newbie to the ultimate status (and bragging rights) of Guru. GuruShots’ challenges are voted on by the platform’s Gurus and the wider community, with a fresh challenge every day. Winners can receive prizes from GuruShots’ sponsors such as Adorama, Kodak, Lowepro, and Lensbaby. The Beach Bliss Challenge showcases a wave of wonderful interpretations on this theme from around the world. To find out more, and take part in the next challenge, visit www.gurushots.com Also, check out GuruShots’ newest app AI Art Master.

Photography highlights at TOAF63 The Toronto Outdoor Art Fair (TOAF) is back at Nathan Phillips Square from July 12th to 14th offering a weekend of art and fun. The event has been a beloved summer tradition for 63 years and continues to grow and diversify—including artists from all around the country and online participating. This year, the Fair will feature close to 300 independent artists providing visitors with a dynamic showcase to explore including painting, craft & design, 3D works, and photography. Additionally, 62 more artists have been selected to exclusively show their work online at TOAF.ca. TOAF features a range of talented, award-winning photographers that push the boundaries of the medium. photoED excited to participate in this year’s Art Fair with a selection of our friends from other art magazines in Canada! (Find us at Booth 276-277) To celebrate photoED magazine's partnership with TOAF, here are a few photographers who will be at the fair that we have our eye on as potential TOAF63 photography award winners! Margaret Gdyczynski Margaret's passion for photographing architecture began with the interiors of Florence's basilicas. She now explores historical and modern structures, focusing on layering light's transient nature in familiar spaces. Laura Kay Keeling Laura is a self-taught visual artist based in Hamilton, whose practice explores connections with the natural world. Using archival investigations, they incorporate elements from plants and flowers they have grown or foraged, scanning, photographing, and pressing them to create a digital catalog. Their archive includes over 150 natural elements, capturing the ephemeral beauty of nature and examining our relationship with it. Eric Chabot Eric presents a Montreal urban landscape series where structures, water, and light, dance offering subtle beauty to the casual passerby. By shifting the perspective towards close-ups and detailed investigations, he creates abstractions out of everyday life. Ana Kapodistria Ana is a Greek-Canadian visual artist who holds an M.F.A. from the University of Edinburgh. She explores the limitations and nature of the human condition; revering the relationship to both natural and constructed realities. States of connection and transformation are celebrated and explored. Maureen O’Connor Maureen is a Toronto-based fine art photographer who collaborates with local sanctuaries to photograph rescued and non-releasable animals in abandoned Toronto homes. Her work explores the intersection of nature and urban environments, highlighting the beauty and fragility of both. Carolyn Cheng Carolyn is an award winning Toronto-based photographer. Her series "Meltwater" illustrates the impact of climate change on Alaskan glaciers. Using color solarization, she transforms natural glacier scenes into vivid, surreal images, highlighting the potential dystopian future. The series invites reflection on rising ocean levels and global weather disruptions. Nika Belianina Nika is a Toronto-based award-winning writer, director, camerawoman, and photographer, who has exhibited her work in over 25 venues across Belgium, Canada, Peru, and the USA. Her work explores themes of escapism and longing. Her poetic photographs, inspired by nature, blend magical realism and movement, evoking unique emotions. Nika's work captures feminine sensibilities in avant-garde settings, always driven by a sense of wonder and a quest for new forms of self-expression. Enjoyed this free read?! Consider supporting us! As the ONLY independent editorial photography publication in Canada we'd love your support to continue producing great content for you to enjoy! JOIN US AS A PATRON  • SUBSCRIBE FOR PRINT DELIVERY • GET DIGITAL ISSUUS

An interview with photoED Magazine photoED magazine spoke to Toronto–based photographer Henry VanderSpek about photography on the street. Henry VanderSpek (a.k.a. Culture Snap Photography) is a Toronto-based street photographer with a passion for people and community. He has exhibited a number of projects in the city’s CONTACT Photography and DesignTO festivals, and his work has been featured on CBC Radio, CBC TV, Now Magazine, and published in a variety of additional national media outlets. He works with both digital and film cameras to capture scenes where objects, symbols, and people interact to create something new. photoED: Based on your prolific portfolio, it seems like you have always had a camera in your hands. How did you get started, and what drives you to pick up a lens every day? Henry: I see visual opportunities every time I leave the house. Every day brings something different. I do not want to miss capturing brief alignments of beauty, irony, or curious mixtures of both. What is momentary can live on in a photograph, and so I rarely step out without a camera. Between my father developing film at home and my mother taking our family to countless galleries and museums, my parents are my original sources of inspiration. My passion grew in the mid-2000s with a project I took on with an international non-profit, and some of my images were published. In 2011 I became a stay-at-home dad, which allowed me to explore the city with my kids and to find new opportunities to practice my craft. photoED: What do you love most about creating stories through photography? Henry: Through intentional documentary projects or chance encounters, I love meeting people and hearing about their life experiences. There’s something very satisfying about the human connection that these moments offer. Capturing someone’s smile, expression, and gesture, and even their character, in a way that surprises them feels very meaningful. It is a joy to document people and their stories, but even more so to be able to share them with others. My projects often celebrate local business owners and community members, and I include both images and text excerpts from our conversations, so that those who attend can feel the warmth that came from the lively dialogues that we shared. photoED: Whose work has influenced yours? Henry: There are so many that I admire: Sally Davies’ street scenes of New York City, layered with detailed points of intrigue and juxtaposition, and her projects celebrating the people of New York and Los Angeles in their homes. Fred Herzog’s eye for composing scenes on Vancouver’s streets, captured brilliantly with colour film. Jamel Shabazz’s skill and empathy while documenting people on the streets of New York in the 1980s, which continues to have so much resonance and impact. George Webber’s beautiful work capturing the people and scenes of the Canadian Prairies. Ruth Kaplan’s documentary skill and leadership for inspiring the next generation of photographers. Larry Frank’s insight, wisdom and playfulness has also ignited a passion for photography in so many. I find myself drawn to, and constantly learning from, each of these individual’s impressive bodies of work. photoED: What makes a good photograph? Henry: Every genre of photography offers distinct ways to create a strong image. At an essential level, a good photograph begins with bold elements that draw your eye. Creating images in a street context involves seeing unusual alignments of light and shadow, words or objects, combined with a human presence. It is deeply satisfying when these all come together to present something new and engaging. Joel Meyerowitz talks about making more than just “copies of objects” in our images, but rather creating something unique by bringing together within a frame diverse components that may align only for a fleeting moment. Seeing this done well inspires me and it is what I aim for when creating a photograph. photoED: How has working in photography influenced you personally? Henry: I feel more connected and engaged with people as a result of being a photographer. I’ve learned to take risks in starting conversations and benefited from the gifts of human connection and new possibilities that come about as a result. I have found a deeper purpose in both creating art that inspires and moves people, but equally so in serving others by celebrating my city and the people in it. Each new connection and outcome along the way encourages me to continue on this journey. Over the years I’ve also grown connected to a community of photographers and that is something I am equally very thankful for. photoED: What has been your favourite or most personally impactful project or adventure? Henry: In 2017 I exhibited Taxi Drivers of Toronto, a project that celebrates the hard-working cabbies of my city. It started as an assignment for a course on portrait photography, but I soon realized that it could become a larger project. It was all new territory for me: pitching my project to cab drivers, sorting out which gear to use, building relationships with taxi companies and with arts organizations, looking for sponsorships. It was an exciting journey, and the stories that taxi drivers shared were truly wonderful. There were many challenges, but I’ll never regret taking on this project, as it helped me to develop skills that I continue to use today. photoED: What does your dream project entail? Where do you hope photography will take you in the future? Henry: Creating images that elevate others is where I aim to be. I named my photo business Culture Snap as I love to celebrate unique people and vibrant cultural expressions. I also value working in a team to accomplish something meaningful, with a greater purpose. These elements are what made my past work with non-profit organizations a real joy, and are what I look for in future opportunities. A dream project would involve being a member of a creative team whose goal is to tell the stories of people whose lives and contributions are under-recognized. The world is full of such stories to explore. GEAR UP What camera and equipment do you most use? What’s your favourite lens? Tell us about your experience using Tamron lenses. Henry: I own multiple zoom and prime lenses that work with my Nikon Z6 II. Some are used for event photography and others I like for portrait shoots. I tend to favour ultra-wide angle lenses when going out for a photo walk, as they allow me to show a larger context and to connect diverse elements into a dialogue within my frame. The Tamron 35-150mm f/2-2.8 for Nikon Z has been a wonderful surprise to me. It is so practical to have a zoom that starts at 35mm instead of the more common 70mm focal length. I’ve been impressed at how sharp and crisp the images are that this lens delivers. Having a starting aperture of f/2 certainly helps in that regard. The quality of materials and design incorporated into this lens matches, if not exceeds, that of the best lenses that I have owned. I’ve seen buzz about this lens online and having used it now for several months I can understand why. It is very handy to have a high-standard, all-around lens to work with for events, portraits, or even street scenes. See more of Henry's' work - HERE. Check out Henry's fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Le magazine photoED a parlé au photographe basé à Toronto, Henry VanderSpek, à propos de la photographie de rue. Henry VanderSpek (alias Culture Snap Photography) est un photographe de rue basé à Toronto avec une passion pour les gens et la communauté. Il a exposé plusieurs projets lors des festivals de photographie CONTACT et DesignTO, et son travail a été présenté sur CBC Radio, CBC TV, Now Magazine, et publié dans divers médias nationaux. Il travaille avec des appareils photo numériques et argentiques pour capturer des scènes où les objets, les symboles et les personnes interagissent pour créer quelque chose de nouveau. photoED: À en juger par votre portfolio prolifique, il semble que vous ayez toujours eu un appareil photo entre les mains. Comment avez-vous commencé et qu'est-ce qui vous pousse à prendre un objectif chaque jour ? Henry: Je vois des opportunités visuelles chaque fois que je quitte la maison. Chaque jour apporte quelque chose de différent. Je ne veux pas manquer de capturer les brèves synchronisations de beauté, d'ironie, ou le curieux mélanges des deux. Ce qui est éphémère peut perdurer dans une photographie, donc je ne sors jamais sans appareil photo. Entre mon père qui développait des films à la maison et ma mère qui nous emmenait en famille dans d'innombrables galeries et musées, mes parents sont mes sources originales d'inspiration. Ma passion a grandi au milieu des années 2000 avec un projet que j'ai entrepris avec une organisation internationale non gouvernementale, et certaines de mes images ont été publiées. En 2011, je suis devenu père au foyer, ce qui m'a permis d'explorer la ville avec mes enfants et de trouver de nouvelles opportunités pour pratiquer mon art. photoED: Qu'aimez-vous le plus dans la création d'histoires à travers la photographie? Henry: À travers des projets documentaires intentionnels ou des rencontres fortuites, j'aime rencontrer des gens et entendre parler de leurs expériences de vie. Ces moments offrent quelque chose de très satisfaisant dans la connexion humaine. Capturer le sourire, l'expression, le geste, et même le caractère de quelqu'un, de manière à les surprendre, est très significatif. C'est une joie de documenter les gens et leurs histoires, mais encore plus de pouvoir les partager avec d'autres. Mes projets célèbrent souvent les propriétaires de petits commerces locaux et les membres de la communauté, et j'inclus à la fois des images et des extraits de nos conversations, afin que ceux qui assistent puissent ressentir la chaleur qui émane des dialogues animés que nous avons partagés. photoED: Quels travaux ont influencé les vôtres? Henry: Il y en a tellement que j'admire : les scènes de rue de Sally Davies à New York, superposées de détails intrigants et de juxtapositions, et ses projets célébrant les habitants de New York et de Los Angeles dans leurs foyers. L'œil de Fred Herzog pour composer des scènes dans les rues de Vancouver, capturées brillamment avec un film couleur. L'habileté et l'empathie de Jamel Shabazz lors de la documentation des gens dans les rues de New York dans les années 1980, qui continue à avoir tant de résonance et d'impact. Le magnifique travail de George Webber capturant les gens et les scènes des Prairies canadiennes. L'habileté documentaire et le leadership de Ruth Kaplan pour inspirer la prochaine génération de photographes. Je suis attiré par chacun de ces individus et j'apprends constamment de leurs impressionnants corpus d'œuvres. photoED: Qu'est-ce qui fait une bonne photographie ? Henry: Chaque genre de photographie offre des façons distinctes de créer une image percutante. À un niveau essentiel, une bonne photographie commence par des éléments audacieux qui attirent votre œil. Créer des images dans un contexte de rue implique de voir des alignements inhabituels de lumière et d'ombre, de mots ou d'objets, combinés avec une présence humaine. C'est profondément satisfaisant lorsque tout cela se combine pour présenter quelque chose de nouveau et d'engagement. Joel Meyerowitz parle de créer plus que simplement des "copies d'objets" dans nos images, mais plutôt de créer quelque chose d'unique en réunissant dans un cadre divers composants qui peuvent s'aligner seulement pour un moment fugace. Voir cela bien fait m'inspire et c'est ce que je vise lorsque je crée une photographie. photoED: Comment votre travail en photographie vous a-t-il influencé personnellement ? Henry: Je me sens plus connecté et engagé avec les gens grâce au fait d'être photographe. J'ai appris à prendre des risques en entamant des conversations et j'ai bénéficié des dons de la connexion humaine et des nouvelles possibilités qui en découlent. J'ai trouvé un but plus profond à la fois dans la création d'art qui inspire et émeut les gens, et également dans le fait de servir les autres en célébrant ma ville et les gens qui y vivent. Chaque nouvelle connexion et chaque résultat en cours de route m'encourage à continuer ce voyage. Au fil des ans, je me suis également lié à une communauté de photographes et c'est quelque chose pour lequel je suis également très reconnaissant. photoED: Quel a été votre projet ou aventure préféré ou qui vous a le plus affecté personnellement? Henry: En 2017, j'ai exposé "Taxi Drivers of Toronto", un projet qui célèbre les chauffeurs de taxi travailleurs de ma ville. Cela a commencé comme un devoir pour un cours de photographie de portrait, mais j'ai vite réalisé que cela pouvait devenir un projet plus vaste. C'était tout un nouveau territoire pour moi : présenter mon projet aux chauffeurs de taxi, déterminer quels équipements utiliser, établir des relations avec les compagnies de taxi et les organisations artistiques, chercher des commanditaires. C'était un voyage excitant, et les histoires que les chauffeurs de taxi ont partagées étaient vraiment merveilleuses. Il y a eu de nombreux défis, mais je ne regretterai jamais d'avoir entrepris ce projet, car cela m'a aidé à développer des compétences que j'utilise encore aujourd'hui. photoED: En quoi consiste votre projet de rêve? Où espérez- vous que la photographie vous mène à l'avenir? Henry: Mon objectif est de créer des images qui élèvent les autres. J'ai nommé mon entreprise de photographie Culture Snap car j'aime célébrer les personnes uniques et les expressions culturelles vibrantes. Je valorise également le travail en équipe pour accomplir quelque chose de significatif, avec un but plus grand. Ce sont ces éléments qui ont rendu mon travail passé avec des organisations à but non lucratif vraiment joyeux, et ce que je recherche dans les opportunités futures. Un projet de rêve impliquerait d'être membre d'une équipe créative dont le but est de raconter les histoires de personnes dont la vie et les contributions sont sous-reconnues. Le monde regorge de telles histoires à explorer. GEAR UP Quel appareil photo et quel équipement utilisez-vous le plus actuellement? Quel est votre objectif préféré? Parlez-nous de votre expérience avec les objectifs Tamron. Henry: Je possède plusieurs objectifs à zoom et à focale fixe qui fonctionnent avec mon Nikon Z6 II. Certains sont utilisés pour la photographie d'événements et d'autres que j'aime pour les séances de portrait. J'ai tendance à préférer les objectifs à ultra grand-angle lorsque je sors pour une promenade photo, car ils me permettent de montrer un contexte plus large et de relier différents éléments dans un dialogue à l'intérieur de mon cadre. La lentille Tamron 35-150mm f/2-2.8 pour Nikon Z a été une merveilleuse surprise pour moi. C’est si pratique d'avoir un zoom qui commence à 35mm au lieu de la longueur focale plus courante de 70mm. J'ai été impressionné par la netteté et la précision des images que cet objectif offre. Avoir une ouverture de départ de f/2 aide certainement à cet égard. La qualité des matériaux et du design incorporés dans cet objectif correspond, voire dépasse, celle des meilleurs objectifs que j'ai possédés. J'ai entendu parler de cet objectif en ligne et l'ayant utilisé maintenant depuis plusieurs mois, je peux comprendre pourquoi. Il est très pratique d'avoir un objectif polyvalent de haute qualité à utiliser pour des événements, des portraits, ou même des scènes de rue. See more of Henry's' work - HERE. Check out Henry's fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

LAND PRESENTS CONTENTIOUS AND INSPIRING POSSIBILITIES FOR PHOTOGRAPHERS The LAND issue of photoED magazine is out now! “ The Earth is what we all have in common.” — Wendell Berry From clearly demonstrating the abuse we inflict on our Earth, to celebrating and expressing beauty and gratitude for the land we live on, the artists in this edition collectively bring forth an incredible range of observations, possibilities, and questions about the future on our planet. Ella Morton’s analog manipulations speak to her layered experiences of exploring cold northern climates in our feature story by Corinna vanGerwen. Ella's photographs of Arctic lands simultaneously convey stoic beauty and unprecedented environmental changes, overlaid with physical (and metaphorical) human manipulations. Meanwhile, in our feature story by Bart Gazzola, photographer Steve Kean shares his experiences with land, raising questions around the physical experiences we have in nature, or the absence of those experiences, when challenged with accessibility issues. ⁠Naming the “space” in a landscape photograph doesn’t just⁠ evoke a “place,” but creates a framework of meaning for viewers to interpret a location.⁠ Alan Bulley shares his RE: PLACED work with us. A reflection on how the names we give (or take from) places affect the way we 'read' them.⁠ This edition also features an exciting first: the commission of a poem. We are especially excited to share an original new work by photographer and writer Tenille Campbell, which was used as a prompt for creative responses from our Patreon community. Check out the visual interpretations we received in response to her words starting on page 13, of the printed edition. The crew at SCARBOROUGH MADE, lead by Sid Naidu shared their work, RECLAIMING COMMUNITY SPACE. SM's numerous projects activating youth photographers in their local community is an inspiration for any community. This edition also features, our Books + Resource recommendations by Alan Bulley for further land-based photography explorations, and our PORTFOLIO featured artists: Janet Hinkle Arlin Ffrench Vera Saltzman Joanne White Julie Florio TJ Watt Edward Peck Jeff Adams Rachel Foster Richard Miller & Geneviéve Thibault Richard Robesco Richelle Forsey (our cover artist) We hope readers will find inspiration in this edition to reflect on and acknowledge that Turtle Island — although fraught with contentious political issues and decisions — is a place we must all work together to heal. It is with gratitude and respect to the First Peoples that came before us that we have the opportunity to live and work on their traditional lands. IN PRINT NOW! ... our Spring/Summer 2024 edition focus' on the theme of LIGHT. Check it out - HERE. If you, or someone you know has work to SHARE with us - Our CALL FOR SUBMISSIONS is - HERE. Follow us on Instagram, Patreon, Facebook, and Instagram, and sign up for our e-newsletter to keep up with all our adventures!