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From blossoming flowers to a fresh blanket of snow on the ground, every season has its own unique charm and beauty. With the change of weather, we must adapt to the environment around us. Here are a few tips and techniques that will help you to capture amazing photos, and to prepare your camera for the winter months. 1. Use fast shutter speeds to capture moving snow When you take a photo while it is snowing, adjust your settings so you can shoot with a faster shutter speed. The falling snow can actually help to create a very interesting depth of field as snow falls into the foreground or background around your main subject. A shutter speed of 1/250 is recommended as a starting point. Higher shutter speeds will produce more unique results. 2. Batteries drain fast in the cold Try your best to keep your batteries warm when you’re in the snow, as cold batteries lose their charge fairly quickly. By putting batteries in your inside jacket pockets, or even in the front pocket of your pants, your body heat will keep the batteries warm so they last a little longer. As always, no matter what or where you’re shooting, BRING EXTRA BATTERIES! 3. Raise your exposure compensation If you use Aperture Priority, Shutter Priority, or Program Mode, be sure to raise your exposure compensation because your meter may be tricked by the snow. When shooting snowy scenes, your camera’s sensor might think your shot is too bright due to the white, strong highlights from the snow. Your camera will automatically attempt to adjust to darken the scene, making snow look grey, instead of white. By increasing your exposure compensation to between +0.3EV and +0.7EV, you’ll be able to capture the pure whiteness of your scene more effectively as it helps compensate for the brightness that is lost in the camera’s metering process. Be sure to test your shots a few times to find the right exposure compensation value. If you are shooting in full manual mode, you won’t be able to adjust your exposure compensation, however, be sure to readjust your settings so your photo is a little overexposed for the best results. 4. Protect your gear from snow and moisture When you’re outdoors, dry, powdered snow won’t damage your camera, but be sure to wipe it off with your glove, sleeve, or a small towel. Don’t use your hands. Your hands will melt the snow, creating a possibility that water will seep into your camera. In general, cold weather won’t affect your camera, but keep in mind the change in humidity when you’re heading indoors. You may notice that your lens fogs up with condensation when entering a warm place. Although you can wipe it off of your lens, condensation builds up inside your camera as well! This could potentially harm the internal mechanics of your camera and lens. The best solution for this is to put your camera into an airtight bag or container before heading indoors. This will protect your camera from the change in temperature and humidity. If there’s a small condensation buildup, don’t try to wipe it, as the moisture may seep into other parts of your camera. Instead, let your camera sit on a towel and let it warm up! 5. Sunny 16 Rule Factors such as the sun, snow, and unpredictable weather during the winter months make setting your ISO, shutter, and aperture tricky. The “Sunny 16 Rule,” also known as the “Sunny F/16 Rule,” provides us with a great starting point to capture perfectly exposed images. During a very sunny and bright day, set your camera’s ISO to 100, shutter speed to 1/100, and aperture to f/16. If you need to set a faster shutter speed to capture some fast-moving action, simply adjust the ISO to 200 and the shutter speed to 1/200 with the aperture remaining at f/16, and so on. This may sound easy, but this rule may change for winter landscapes depending on the natural lighting and the amount of snow. When you are shooting a subject or scene that is very bright and has a lot of snow, try this rule with a faster shutter speed as the snow reflects a large amount of light. Starting with an ISO of 100, shutter speed of 1/200, and aperture of f/16 is recommended. 6. Make use of leading lines Leading lines may be a simple concept to many photographers, but when you’re trying to capture a beautiful winter landscape, leading lines become very important. Your winter photo may contain a lot of white, compositionally creating more negative space than you may want. To make things interesting, you can find either sloped lines that move diagonally across your scene (such as mountain tops) or a vanishing point (a point where two lines converge, such as a walking path). Both of these techniques will help you add depth to your photo and a point for viewers to focus on. 7. Use a zoom lens Even though a prime lens may get you a great shot, it doesn’t offer the flexibility you need when shooting outdoors. You may need to take a macro shot of a snowflake, and then a landscape shot immediately after. We don’t recommend switching lenses and equipment too often when you’re outdoors, as the inner parts of your camera and other equipment will be exposed to the elements. 8. Later sunrises, earlier sunsets The golden hours (one hour after sunrise and one hour before sunset) are the best times to shoot, especially for landscapes. A great thing about winter is that you do not have to get up by 4 a.m. to capture the sunrise. Keep in mind that golden hours in winter occur later in the morning and much earlier in the evening. Be sure to check your local weather report the day before to see the times for the sunrise and sunset. 9. Add contrast to your photos With all the white from the snow, your photos may need a little kick when editing, as the colours and contrast may seem dull. Increase and adjust your blacks, contrast, saturation, and shadows to bring life back into your photo when you’re back at home editing. #HowTo #Canadianlandscape #landscapephotography #exposure #experimentation #Traveltips

A light cone is a great accessory for any tabletop photography where wrap-around diffusion is needed. This is especially useful for photographing shiny reflective metallic surfaces. The camera lens is placed on the small open end of the cone and allows one to shoot down at the subject. Professional light cones made of acrylic can cost several hundred dollars; here is a DIY solution that is simple and economical. Get some Mylar Purchase a sheet of Mylar, 24 x 36 inches from any art supply store (costs about $5.00). Do some math online We found Craig Russell’s blog calculator really helpful for measurements for the pattern to construct a flat top cone. craig-russell.co.uk/demos/cone_calculator Decide how big you want the cone — the limit here is the size of the Mylar sheet. Choose a diameter for the top, bottom, and height to accommodate the objects you plan on photographing. Enter lengths A, B, and C into the calculator, click on “Calculate,” and the program will generate the arc angle and radii R1, R2. For the sample shown here, A=100 mm, B=380 mm, and C=380 mm. Output from the calculator gave an arc angle of 124.5 degrees, R1=144.6 mm, and R2=550 mm. Tape the sheet of mylar to a table and draw in the measurements Measure the arc angle with a protractor and draw R1 and R2 using a straight edge. A string stretched tight with one end anchored at the vertex and the other tied to a pencil can be used to draw the arcs. Cut out the pattern. Place tape on one open edge and close to form the cone. When you’re done, unlike a professional cone, the tape can be removed and the cone can revert to its flat shape for easy storage. All that you have left to do is to find a suitable background material (seamless paper works well), set up your lights, place the lens at the opening and shoot. To steady your shot, use a tripod with the column reversed. Soon, you will be looking everywhere for shiny metallic objects to photograph! #DIY #studiophotography #stilllifephotography #HowTo #phototips

We feel, it’s about time that these photographers of HISTORICAL note were acknowledged, and their names become known to every photography lover. Here are but a few names we think you should know, and some QUICK facts as to WHY... HANNAH MAYNARD IS KNOWN FOR: Running her own studio business in Victoria, BC. “Mrs. R. Maynard, Photographic Artist and Dealer in All Kinds of Photographic Materials.” In 1897, she became Victoria’s official police photographer. Anyone arrested was taken to her studio for a mug shot. Raised FIVE kids. Technically, her work is superior. Her signature works include photomontages, multiple exposures, and photosculptures. Maynard used mirrors and partial glass plate negative exposures to create unique narratives about herself and surreal tributes to the deceased. MATTIE GUNTERMAN IS KNOWN FOR: being a Pioneer woman who literally walked over 1000km from Seattle to Beaton (BC), with her husband, dogs and son. She had Tuberculosis, and they looked to live in a dryer climate. Gunterman used a 4×5 inch glass plate camera. Her photographs show some of the difficulties of pioneer life and the joys of leisure time. She used a long cable-release to include herself in images. She photographed the men at work in the Nettie L. Mine, including the deceased miners as they were being shipped back to their Nova Scotia homes for burial. GERALDINE MOODIE IS KNOWN FOR: Creating photographs of Inuit and Indigenous families While hubby John Douglas (J.D.) Moodie held a role the North West Mounted Police (NWMP), they traveled to the North West Territories. Her husband attempted to acquire official photographer status for her, but he request was denied, and the role given to a man. However, it was her images that were sent with reports, including correspondence to Prime Minister Wilfrid Laurier. As early as 1895, Moodie copyrighted her negatives, as her images were often used out of context. She ran studios in Battleford and Maple Creek, Saskatchewan, and in Medicine Hat, Alberta. She also raised five children. GLADYS REEVES IS KNOWN FOR: Accidentally becoming a photographer through her starting role as the receptionist at Ernest Brown’s Edmonton photo studio. Brown and Reeves were interested in pioneer life. In the 1930s, they created the "Birth of the West" photo series for use in public schools. Brown willed his photographs and his collection to the Province of Alberta. Reeves was hired to organize and document its contents of over 10,000 photographs. Reeves’s photographs are in the Brown collection. A 2009 Edmonton Fringe Festival performance, The Unmarried Wife , was based on the story of Brown and Reeves. ALSO, check out artist/ archivist and Edmonton's Historian Laureate Marlena Wyman 's Pecha Kucha presentation VIDEO featuring the GLADYS REEVES story - HERE. ELSIE HOLLOWAY IS KNOWN FOR: Her business in St. John’s, Newfoundland, for 40 years. In 1914, she photographed hundreds of enlisted men in the Newfoundland Regiment. Career highlights included photographing Amelia Earhart in 1932 at Harbour Grace and the 1939 King George VI and Queen Elizabeth royal tour. ALSO - Check out the HERITAGE Newfoundland and Labrador VIDEO: 'With the Camera: The Life of Elsie Holloway' - HERE. Photographer + researcher LAURA JONES helped us put this info together. Find out why she is a trailblazer herself - HERE . Did you enjoy this FREE read? Consider supporting us! For as little as $2./ month we'd love your support to continue producing great content for you to enjoy!   • JOIN US AS A PATRON  • SUBSCRIBE FOR PRINT DELIVERY   • GET DIGITAL ISSUUS   Follow us on Instagram, Patreon , Facebook , and Instagram , and sign up for our e-newsletter to keep up with all our adventures! #LauraJones #womeninphotography #canadianphotography #photohistoryincanada #HannahMaynard #MattieGunterman #GeraldineMoodie #GladysReeves #peoplephotography #portraiture #analogfilm #blackandwhite #doubleexposurephotography #filmexploration #BritishColumbia

Paris Photo is the world’s largest art fair dedicated to the photographic medium , held each November at the Grand Palais in the heart of Paris. Alan Bulley attended the 27th edition of the event to share his experience of 200+ international exhibitors, offering the most diverse, qualitative presentations of photography projects today. “This is massive.” That was my first thought as I entered the Grand Palais  for the preview of Paris Photo 2024, the night before the fair was to begin officially. And my opinion didn’t change over the four-day run from November 7-10. There is just no way to avoid being overwhelmed by the scale of the show, the quality of work on display, and the talent this event attracts. Not only is there an enormous amount of work to see and talks to attend under one roof (the Grand Palais itself), but there are also many nearby events and venues where you can buy photobooks and see more work by both the well- and less-known. Only a handful of cities in the world can put on a show like this, and Paris is certainly in the front rank. You can brush shoulders with Ed Burtynsky  and David Company  at the Palais, listen to photographic artists like Debi Cornwall  and Max Pinckers  discuss their new books, and then wander a few minutes away to the Polycopies  book sale aboard a barge anchored on the banks of the Seine and ask Todd Hido  to sign a copy of his latest for you (I know I did). If that’s not enough, you can venture only slightly further afield to the Offprint photobook salon at Pavillon de l’Arsenal, or hop over to the fringe-y event put on by Réseau LUX  and have your portfolio reviewed and see interesting work displayed in a venue that certainly cost less than a booth at the Grand Palais. Always keeping an eye out for Canadian content, it was good to see ESSE  magazine represented at several venues, not only at Paris Photo but also at the Jeu de Paume  (where Tina Barney  and the late Chantal Akerman had retrospectives). And it was particularly enjoyable to spend some time talking to Montreal-based artist Caroline Mauxion , who was showing work in the booth belonging to Zalucky Contemporary , the Toronto gallery that represents her. Born and raised in France, Caroline completed her MFA at the Université du Québec à Montréal and is now well into her PhD program there. Her ongoing work is an exploration of her own experience of extended orthopedic treatments through a compelling hybrid practice comprising photography, collage, and sculpture. Caroline describes the work as a way to help her reappropriate her own body, its strengths, and its sexuality. While the act of photographing can sometimes distance, the inclusion of collage recalls the cutting and reshaping of her own body, and the sculptural elements rendered in muted pinks and greys reference bone and ligament, and are themselves formed from metal rods, plastic, and plaster—the basic toolkit of the orthopedic surgeon. Inverted black and white images bring x-rays to mind and flip the shadows of treatment for light and hope. The colour palette and the technique combine to speak of the feminine and the mechanical in a way that invites the viewer to reflect on the body’s vulnerabilities and strengths, and Caroline’s own journey that is still touched by chronic pain. Altogether, a human and thoughtful body of work that draws on a worked—and working—body. Caroline Mauxion’s work also served to highlight for me a final impression from Paris Photo 2024: little cutting-edge work now relies on ‘straight photography.’ Even documentary, with a clear line of sight back to the origins of the medium, draws today on a rich brew of images, artifacts, physical objects, archival material, and imagined and re-enacted scenes. And that is before we begin to acknowledge the wave of digital imagery and AI-based scenes that towers over us. It was all well-represented in Paris and challenges us to consider again photography’s perpetually loose relationship to ‘the truth,’ alongside a rich new set of tools, techniques, and tales. Yes, it’s massive. And it’s exciting. Did you enjoy this FREE read? Consider supporting us! For as little as $2./ month we'd love your support to continue producing great content for you to enjoy!   • JOIN US AS A PATRON   • SUBSCRIBE FOR PRINT DELIVERY   • GET DIGITAL ISSUUS   Follow us on Instagram, Patreon , Facebook , and Instagram , and sign up for our e-newsletter to keep up with all our adventures!

Karene-Isabelle Jean-Baptiste est une photographe basée à Montréal qui s'intéresse à capturer des moments éphémères de magie. photoED Magazine a parlé avec Karene-Isabelle de son travail. Elle a été sélectionnée comme Femme de l'Année 2020 par Best Health Magazine pour son projet photo sur les femmes noires dans le secteur de la santé. En 2021, elle a reçu une subvention du journal La Presse pour la diversité en photojournalisme, et en 2022, elle a remporté un prix Nikon USA des Black Women Photographers. photoED: Votre profession jusqu’à il y a peu de temps était l’ingénierie. Comment et pourquoi avez-vous décidé de vous lancer dans la photographie à plein temps? Karene-Isabelle: Il y a parfois une synchronie dans les choses dont nous n’avons pas pleinement conscience. Pendant un certain temps j’avais constaté mon mécontentement en tant qu’ingénieur industriel, et l’idée de continuer dans ce métier jour après jour jusqu’à ma retraite me drainait mentalement. Début 2020, j’ai décidé de tenter ma chance en me lançant dans la photographie à plein temps. Lorsque la pandémie a éclaté cette année-là, il m’a soudainement paru urgent de créer un travail qui s'adresse au monde tel qu’il se déployait autour de moi. Ce sentiment d’urgence et mon besoin de documenter cette période exceptionnelle m’ont conduit à créer ma série "Black Women in the Time of the Pandemic". C’est ce projet qui a déclenché d’autres opportunités et a rendu possible mon passage à la photographie à plein temps. photoED: Votre travail semble demander peu d’effort de part sa beauté simple et son utilisation envoûtante de la couleur. Que souhaitez-vous que les spectateurs sachent et comprennent sur tout le travail qui se déroule en coulisses pour créer une image? Karene-Isabelle: Mon travail est fortement inspiré par la peinture et le monde naturel. J’ai toujours été fascinée par le pouvoir de la couleur et sa capacité à nous faire ressentir des émotions profondes. Je souhaite que mon travail reflète cela. Je commence souvent avec une couleur spécifique en tête et je travaille à l’intégrer dans ma palette. Souvent je consulte avec un ami qui a un sens du design incroyable, et nous travaillons vraiment bien ensemble. Nous échangeons des idées et, d'une manière ou d'une autre, nous semblons toujours nous rencontrer exactement au bon endroit créativement. J’en suis très reconnaissante. photoED:  Qu’est-ce que vous aimez le plus dans la création d’histoires à travers la photographie?   Karene-Isabelle: Je suis une lectrice avide et j’ai toujours été impressionnée par la capacité des écrivains à créer des mondes dans lesquels un lecteur peut s’immerger totalement. Je partage ce désir de créer un monde qui m’est propre. La photographie m’offre cette opportunité et j’en suis reconnaissante. J’aime guider les gens dans une histoire, une idée ou une communauté à laquelle ils n’auraient peut-être jamais pensé mais à laquelle ils ont maintenant accès à travers les images que j’ai créées. photoED: Le travail de qui a influencé le vôtre? Karene-Isabelle: J’ai été influencée par de nombreuses personnes, mais il y en a trois qui se démarquent pour moi. Le premier est certainement Gordon Parks, que j’ai toujours vu comme un homme de la Renaissance. J’aime son utilisation de la couleur, la variété de ses projets (mode, cinéma, photojournalisme) et son point de vue distinct. J’adore le travail de Yousuf Karsh. Les portraits qu’il a créés sont iconiques et, dans de nombreux cas, les images définitives par lesquelles ses sujets sont connus. Je reviens souvent à son travail lorsque je cherche à créer mes propres portraits. Enfin, je suis une véritable fan de Malick Sidibé. Je me souviens d’avoir découvert sa Nuit de Noël dans un magazine un jour et je l’ai immédiatement découpée. Cela m’a conduit à rechercher son travail et à découvrir une liberté, une simplicité et une honnêteté qui m’influencent encore aujourd’hui. photoED: Qu’est-ce qui rend une photo réussie? Karene-Isabelle: Une bonne photo est saisissante. Elle nous emmène dans un lieu qui semble familier tout en étant inattendu. Elle nous pousse à s’attarder, à nous interroger, à ressentir. Elle nous attire, malgré nous. photoED: Comment votre travail en photographie vous a-t-il influencé personnellement? Karene-Isabelle: Mon travail en photographie m’a rendue beaucoup plus déterminée et prête à prendre des risques. Être photographe implique beaucoup de présentation de projets, de soumissions de travaux et d’approcher de personnes inconnues. Cela implique souvent beaucoup de rejets, et cela m’a amenée à comprendre et à accepter que le mot “non” fait partie du monde dans lequel j’évolue. Ce n’est pas un indicateur de la valeur de mon travail ou de moi-même en tant que personne. D’une certaine manière, la photographie m’a appris à faire les choses tout en ayant peur. Cela m’a également aidée dans d’autres domaines en dehors de mon travail. photoED:  Quel a été votre projet ou aventure préféré ou qui vous a le plus marqué personnellement?   Karene-Isabelle: Mon travail sur les femmes noires dans le secteur de la santé est sans aucun doute mon projet préféré et le plus marquant. La réaction des sujets, de d’autres femmes travaillant également dans le domaine médical, et du grand public a été extrêmement positive. Je voulais placer les femmes noires dans le contexte de la pandémie et montrer comment elles ont contribué à la société canadienne pendant ce qui était indéniablement une période très difficile. Je voulais qu’elles soient vues. Il était également important pour moi de rompre avec le mythe de la femme noire puissante. Je voulais que les femmes soient perçues comme fortes, oui, mais aussi comme vulnérables et effrayées. Il était important de montrer leur humanité et de leur donner une voix dont elles se sentaient privées. Beaucoup ont pris contact pour dire que ce projet les avait enfin fait sentir vues. photoED:  Quel est votre projet de rêve? Où espérez-vous que la photographie vous mènera à l’avenir? Karene-Isabelle: Mon projet de rêve consiste à explorer le quartier de Montréal où je vis : Montréal-Nord. Je veux réaliser un travail pour contrer les stéréotypes négatifs existant sur la région et montrer ce que c’est vraiment de vivre ici et la beauté qui s’y trouve. C’est un quartier populaire où les gens travaillent dur, mais sa mauvaise réputation est injustifiée. Je voudrais réaliser ce travail dans le même esprit que ce qui a été fait par Jamel Shabazz dans les années 80 à New York : brut, honnête et plein d’espoir. Mon espoir pour ma photographie est qu’elle apporte joie et amour à mes sujets. J’aimerais aussi que mon travail soit un jour collectionné par des galeries pour la postérité. J’aimerais pouvoir dire que je suis venue, j’ai révélé et j’ai changé certaines perceptions. GEAR UP Quel appareil photo et quel équipement utilisez-vous le plus maintenant? Quel est votre objectif préféré? Parlez-nous de votre expérience avec les objectifs Tamron? Karene-Isabelle: J’utilise principalement mon Canon 5D Mark II. C’est un vieux modèle, mais un bon modèle. Je l’ai acheté il y a de nombreuses années et il est définitivement un travailleur acharné. Bien que j’apprécie un objectif fixe, j’ai été époustouflée et suis tombée amoureuse de l’objectif zoom Tamron 70-120 mm . Sa profondeur de champ est inégale. Il est net, rapide et léger à porter. La mise au point est aussi très fluide. Je n’avais jamais vraiment travaillé avec un objectif zoom de peur de perdre un peu de lumière, mais cet objectif a été un véritable changement pour moi et m’a fait reconsidérer ma position. Je ne suis pas une photographe technique et il a sûrement de nombreuses fonctionnalités pour plaire à d’autres utilisateurs, mais je sais simplement que j’adore prendre des photos avec cet objectif! See more of Karene-Isabelle Jean-Baptiste's work - HERE. Check out Karene-Isabelle Jean-Baptiste's Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Billed as the world’s greatest photo game, GuruShots is an international competition platform for photographers . Players get feedback from more than three billion monthly voters and try to work their way up through rankings, from Newbie to the ultimate status (and bragging rights) of Guru. GuruShots’ challenges are voted on by the platform’s Gurus and the wider community, with a fresh challenge every day. Winners can receive prizes from GuruShots’ sponsors such as Adorama, Kodak, Lowepro, and Lensbaby. The Extraordinary Architecture Challenge showcases architectural wonders from around the world. To find out more, and take part in the next challenge, visit www.gurushots.com Also, check out GuruShots’ newest app AI Art Master.

An interview with photoED Magazine Yvens B. is a Montreal-based commercial photographer specializing in portraiture and sports and fitness photography. With a background as a CPA in the technology industry and a passion for long-distance running and weightlifting, he’s a passionate entrepreneur who fell into photography after assisting a friend with music video production. He says, “I fell in love with the craft of light and cameras. In 2015, in an effort to become better at photography, I bought a couple of lights…. Countless head shots and photo shoots later, with over 36K+ social media followers, here I am!” photoED: Online, you teach thousands of people about the technical aspects of portrait photography. Tell us about the social media community you have created. How did you get started there, and what keeps you sharing? YVENS : I believe it is important to share what we know. I always like to refer to a Will Smith quote about books. He points out that reading is important because "There are gazillions of people that have lived before all of us. There's no new problem you could have….” While I am testing new ideas and encountering challenges in my everyday work, I believe that sharing how I overcame those challenges is beneficial to the community and me. While I haven’t written a book yet, approaching a problem publicly allows you to acid test your equipment, technique, and approach in an accelerated manner. This acid test pushes forward my creativity and depth of knowledge while helping others. Everyone wins. photoED: What do you love most about creating stories for yourself or your clients through photography? YVENS : There is something magical that happens when you receive an assignment from a client. While I love telling stories that come from my own mind, whenever I revisit some client work, I can’t help but feel proud of the fact that I was chosen to tell those stories through my vision. That vision matters. To further demonstrate the impact of the visual creator on your client’s work, I like to refer to books that get turned into movies. You can give the same book to two directors and get widely different results. Although the story was given to you by your client, how you frame it, light it, and give it life is mostly up to you. You are now an intricate part of that story. Even in your own personal projects, that marriage of ideas — from the subject, to the makeup artist, to your lens of choice, in my case, the Tamron 28-75mm f/ 2.8 G2 — gives birth to a creation that has a mix of different DNAs attached to it. Regardless of how many collaborators added their essence into a project, the pride of creation remains, and that is what I feel I can use as a trampoline for my next project. photoED:  Whose work has influenced yours?   YVENS : My portrait work has been influenced by many giants who share the path of sharing what they know. Not all are photographers. In no particular order, if I have to name names and how they changed the way I approach portraiture: Joey L. , a fellow Canadian, showed me that personal projects are the key to growth and getting more out of every aspect of photography. Tim Tadder for his stellar approach to high-production sports photography. Recently, I started loving the work of Justin Bettman , who has an immaculate choice of colours. I have to add another fellow Canadian director, Denis Villeneuve, who taught me lessons through his films that shattered the way I think about creating and remaining a hardworking dreamer. One of the last remaining great directors, David Fincher, taught me that demanding more out of your production is not a selfish act but shows respect to your final product. Finally, I love looking at paintings and seeing how artists who had more time on their hands crafted images that lasted through hundreds of years. To this day, we are fighting to preserve their art. Their work gives lessons that all of us can take to our own work. photoED: What makes a good photograph? YVENS : I believe a good photograph is like avoiding a plane crash at an airport. It’s a series of decisions that lead to a great final result. For portraits, I think I can grossly summarize it into three categories. If we start from the outer layers to the core, the technical elements have to be sound. A well-lit scene will capture attention, which is key in this day and age. Then, a great camera combined with a great set of lenses really helps smooth the way, as your equipment should not drag you down. For example, these portraits were all taken with the Tamron 28-75mm f/2.8 G2  and the Sony a7R V in the studio since they gave me the speed I needed to capture these quick moments. From the smooth zoom and ultra-fast autofocus, to the wide constant aperture, using the 28-75mm f/2.8 G2 removes a worry I don’t have to carry, allowing me to dedicate myself to the next important layer: the subject. With the previous two elements in place, having a great subject who you can direct to achieve your end goals — whether it is a client or a hired subject — will give you the best tool to shape the most important pillar. I emphasize that the photographer is the director, as you are responsible for the end result. By taking this approach, you create good pressure to avoid excuses and plan the three elements so every shoot goes smoothly. photoED: How has working in photography influenced you personally? YVENS : My background as a CPA helped me understand a few things about business, but working as a commercial and portrait photographer has ingrained those lessons into my day-to-day life. The principle of relationships first helped me understand business growth. The entrepreneurial nature of photography has deepened my need to self-start. I call it my R&D department. Whether it is working on new personal projects or developing a more hybrid style of serving my clients by incorporating motion into my offerings, being a full-time creator and photographer is similar to being filmed every day. You can see where you failed and what you need to work on. I take feedback very seriously and work hard to improve—1% better every day is the goal. photoED: What has been your favourite or most personally impactful project or adventure? YVENS : While I never had a breakthrough project, I think my coverage of the Speed Project taught me numerous lessons that I will feed on for a very long time. The Speed Project is a non-sanctioned 500 km (over 310 miles) running race from Los Angeles to Las Vegas. In collaboration with a good friend of mine who attempted the solo version of that race, I documented the athlete’s progress and the event over the course of a few months. My love for photography, sports, and especially long-distance running made this a dream project. With that said, the race didn’t end up where we wanted it to, as my friend got injured in the process. But from this trip, I managed to convert it into an even bigger project where, to sum it up, I didn’t sleep for 48 hours, crossed LA to Vegas over three times in four days, but never had more fun documenting an event. To this day, I look back at these portraits and can’t help but smile and relive those experiences. photoED:  Tell us about your hardest or most challenging day as a commercial photographer. What keeps you going on a hard day?   YVENS : While I cannot name names or point to any specific project to protect the integrity of my clients, the most challenging days are usually the ones where there is a communication breakdown. These often happen due to a lack of preparation and because some goals or roles were not clearly communicated. They occur more frequently when there are multiple layers between the client and the photographer. When these situations arise, I usually have two goals: “be the hero your client needs” and “fill the leadership void.” While the first goal is self-explanatory, the second helps achieve the first. In a nutshell, the leadership void is a principle that I learned from Jocko Willink, a Navy SEAL. He mentions that, in some structures, people will often back away as a problem arises. To be the hero, for example, you have to take on a new role as producer, coordinator, or anyone else on set who has the skillset to fix a problem. Sometimes, it’s just taking 10 minutes to sit everyone down, listing a few fixes, and choosing the best option. Sometimes, it’s calling a few people who have more experience and asking them for advice. Regardless of what happens, remembering those lessons, putting my ego aside, and taking a different look at the issue solves most problems. Always remember that you are the director on set. photoED:  What does your dream project entail? Where do you hope photography will take you in the future?   YVENS : Other than meeting some lofty business goals, I work to set up my work to tell stories that will live beyond me. In that bag of dreams, I want to document once-in-a-lifetime athletic achievements or journeys, adding perhaps a couple of movies to my resume, a book, and perhaps an art gallery exhibition of my work. I also hope that I can travel a lot more so that I can share my love for everything photography with equally passionate people around the world. That and working in collaboration with Denis Villeneuve (I’ll also accept David Fincher)! photoED:  What advice do you have for photographers just getting started?   YVENS : Anyone starting in commercial photography should think about relationship building. Don’t pitch. Don’t sell. Build relationships. These will be solid assets to further your career.  Following that, create the work you want to sell. Shoot often and share the good stuff you’ve created.  GEAR UP What camera and equipment do you most use? What’s your favourite lens? Tell us about your experience using Tamron lenses. YVENS : My current rig is a Sony a7R V with, of course, all Tamron lenses. I still have an older Sony A7R III as a backup. I am usually debating between two particular lenses: the Tamron 35-150mm f/2-2.8 and the 28-75mm f/2.8 G2. In this rotation, I also use the Tamron 70-180mm f/2.8 G2 for more still portraiture. Since I do a lot of press conferences and media coverage for the City of Montreal, I need something with a lot of range to capture those special moments with public officials. The 35-150mm f/2-2.8 helps me carry only one camera. But when I have to be really fast on my feet, like when I covered Montreal’s Hyrox competition or the Montreal Pride Parade, something ultra-lightweight and fast like the 28-75mm f/2.8 G2 is a godsend. I have enough range to be wide or look for moments by zooming in at 75mm. With all the Tamron lenses I own, I have the advantage of a constant aperture of f/2.8, allowing me to work in low light and get as much bokeh as I desire while having incredibly fast autofocus . Whenever I do more planned work, like on commercial sets, the 28-75mm f/2.8 G2 and the 70-180mm f/2.8 G2 are my lenses of choice. They are precise and work exactly up to my demands. I can close down to f/10 comfortably and keep the pristine 61MP of the Sony a7R V sharp and full of details. While I love the convenience of the 35-150mm f/2-2.8, I often go back to the 28-75mm f/2.8 simply because of the beautiful detail and resolution the lens offers while being light. See more of Yvens work - HERE. Check out Yvens B.'s favourite Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Yvens B. est un photographe commercial basé à Montréal, spécialisé dans la photographie de portrait ainsi que dans le sport et le conditionnement physique. Avec une formation de CPA dans l'industrie technologique et une passion pour la course de longue distance et l'haltérophilie, il est un entrepreneur passionné qui s'est tourné vers la photographie après avoir aidé un ami dans la production de clips musicaux. Il explique: «Je suis tombé amoureux de l'art de la lumière et des caméras. En 2015, pour m'améliorer en photographie, j'ai acheté quelques lumières… Après d'innombrables séances photo et portraits, avec plus de 36 000 abonnés sur les réseaux sociaux, me voici !» Nous avons parlé à Yvens B. de son travail. photoED: En ligne, vous enseignez les aspects techniques de la photographie de portrait à des milliers de personnes. Parlez-nous de la communauté que vous avez créée sur les réseaux sociaux. Comment avez-vous commencé et qu'est-ce qui vous motive à continuer de partager vos savoir? YVENS : Je crois qu'il est important de partager ce que nous savons. J'aime toujours faire référence à une citation de Will Smith sur les livres. Il souligne que la lecture est importante parce qu' «Il y a des milliards de personnes qui ont vécu avant nous. Il n'y a pas de nouveau problème que vous pourriez confronter…». Alors que je teste de nouvelles idées et rencontre des défis dans mon travail quotidien, je crois que partager la façon dont j'ai surmonté ces défis est bénéfique pour la communauté et pour moi. Bien que je n'aie pas encore écrit de livre, aborder un problème publiquement permet de tester de manière accélérée votre équipement, votre technique et votre approche. Ce test de résistance fait avancer ma créativité et la profondeur de mes connaissances tout en aidant les autres. Tout le monde y gagne. photoED: Á travers la photographie qu'est-ce que vous aimez le plus dans la création d'histoires tant en ce qui concerne votre pratique personnelle ou pour les projets de vos clients? YVENS : Il se passe quelque chose de magique lorsque vous recevez une mission d'un client. Bien que j'adore raconter des histoires qui viennent de mon propre esprit, chaque fois que je reviens sur un projet exécuté pour un client, je ne peux m'empêcher de me sentir fier du fait que j'ai été choisi pour raconter ces histoires à travers ma vision. Cette vision est importante. Pour démontrer davantage l'impact du créateur visuel sur le projet d’un client, j'aime faire référence aux livres qui sont adaptés en films. Vous pouvez donner le même livre à deux réalisateurs et obtenir des résultats largement différents. Bien que l'histoire ait été donnée par votre client, comment vous la cadrez, l'éclairez et lui donnez vie dépend principalement de vous. Vous êtes maintenant une partie intégrante de cette histoire. Même dans vos projets personnels, ce mariage d'idées — du sujet, au maquilleur, en passant par votre objectif de choix, dans mon cas le Tamron 28-75mm f/2.8 G2 — donne naissance à une création qui a un mélange de différents ADN. Peu importe combien de collaborateurs ont ajouté leur essence dans un projet, la fierté de la création demeure, et c'est ce que je considère comme un tremplin pour mon prochain projet. photoED:  Quel travail a influencé le vôtre?   YVENS : Mon travail de portrait a été influencé par de nombreux grands noms qui partagent ce qu'ils savent. Tous ne sont pas photographes. Sans ordre particulier, si je dois nommer des noms et expliquer comment ils ont changé ma manière d’aborder le portrait: Joey L. , un autre Canadien, m'a montré que les projets personnels sont la clé de la croissance et de l'optimisation de chaque aspect de la photographie. Tim Tadder pour son approche exceptionnelle de la photographie sportive à haute production. Récemment, j'ai commencé à aimer le travail de Justin Bettman, qui a un choix de couleurs impeccable. Je dois ajouter un autre réalisateur canadien, Denis Villeneuve, qui m'a enseigné des leçons à travers ses films qui ont bouleversé ma façon de penser á la création et de rester un rêveur travailleur. L'un des derniers grands réalisateurs restants, David Fincher, m'a appris que demander plus de votre production n'est pas un acte égoïste mais montre du respect pour votre produit final. Enfin, j'aime regarder les peintures et voir comment les artistes qui avaient plus de temps ont créé des images qui ont traversé les siècles. À ce jour, nous nous battons pour préserver leur art. Leur travail donne des leçons que nous pouvons tous appliquer à notre propre travail. photoED: Qu'est-ce qui rend une photographie réussie? YVENS : Je pense qu'une bonne photo est comme éviter un accident d'avion à un aéroport. C'est une série de décisions qui mènent à un excellent résultat final. Pour les portraits, je pense pouvoir résumer grossièrement en trois catégories. Si nous commençons par les couches extérieures jusqu'au cœur, les éléments techniques doivent être solides. Une scène bien éclairée captera l'attention, ce qui est crucial de nos jours. Ensuite, une bonne caméra associée à un bon ensemble d'objectifs aide vraiment à rendre les choses plus fluide, car votre équipement ne doit pas vous ralentir. Par exemple, ces portraits ont tous été réalisés avec le Tamron 28-75mm f/2.8 G2 et le Sony a7R V en studio car ils m'ont donné la vitesse dont j'avais besoin pour capturer ces moments rapides. De la mise au point fluide et ultra-rapide, à l'ouverture constamment large, l'utilisation du 28-75mm f/2.8 G2 supprime une préoccupation que je n'ai pas à porter, me permettant de me concentrer sur la prochaine couche importante : le sujet. Avec les deux premiers éléments en place, avoir un excellent sujet que vous pouvez diriger pour atteindre vos objectifs finaux — qu'il s'agisse d'un client ou d'un mannequin — vous donnera le meilleur outil pour façonner le pilier le plus important. Je souligne que le photographe est le réalisateur, car vous êtes responsable du résultat final. En adoptant cette approche, vous créez une bonne pression qui vous aidera à éviter les excuses et à planifier les trois éléments nécessaires afin que chaque séance se déroule bien. photoED: Comment le travail en photographie vous a-t-il influencé personnellement? YVENS : Mon passé en tant que CPA m'a aidé à comprendre certains aspects des affaires, mais travailler en tant que photographe commercial et de portrait a ancré ces leçons dans ma vie quotidienne. Le principe des relations d'abord m'a aidé à comprendre la croissance des affaires. La nature entrepreneuriale de la photographie a approfondi mon besoin de prendre des initiatives. Je l'appelle mon département R&D. Que ce soit en travaillant sur de nouveaux projets personnels ou en développant un style plus hybride pour servir mes clients, être un créateur et photographe à plein temps est similaire à être filmé tous les jours. Vous pouvez voir où vous avez échoué et ce sur quoi vous devez travailler. Je prends la critique très au sérieux et travaille avec ardeur afin de m'améliorer — 1% mieux chaque jour est l'objectif. photoED: Quel a été votre projet ou aventure préféré ou celui qui vous a le plus marqué personnellement? YVENS : Bien que je n'aie jamais eu de projet révolutionnaire, je pense que ma couverture du Speed Project  m'a appris de nombreuses leçons que je vais chérir pendant longtemps. Le Speed Project  est une course de 500 km (plus de 310 miles) non sanctionnée de Los Angeles à Las Vegas. En collaboration avec un bon ami qui a tenté la version solo de cette course, j'ai documenté les progrès de l'athlète et l'événement pendant quelques mois. Mon amour pour la photographie, le sport, et surtout la course de longue distance a fait de ce projet un rêve. Cela dit, la course ne s'est pas terminée comme nous le voulions, car mon ami s'est blessé en cours de route. Mais de ce voyage, j'ai réussi à le transformer en un projet encore plus grand où, pour résumer, je n'ai pas dormi pendant 48 heures, j'ai traversé LA à Vegas plus de trois fois en quatre jours, mais je ne me suis jamais autant amusé à documenter un événement. Aujourd'hui encore, je regarde ces portraits et je ne peux m'empêcher de sourire et de revivre ces expériences. photoED:  Parlez-nous de votre jour le plus difficile ou le plus exigeant en tant que photographe commercial. Qu'est-ce qui vous motive lors d'une journée difficile?   YVENS : Bien que je ne puisse pas nommer de noms ou pointer des projets spécifiques pour protéger l'intégrité de mes clients, les journées les plus difficiles sont généralement celles où il y a une défaillance de communication. Cela se produit souvent en raison d'un manque de préparation et parce que certains objectifs ou rôles n'ont pas été clairement communiqués. Elles surviennent plus fréquemment lorsqu'il y a plusieurs couches entre le client et le photographe. Lorsque ces situations se présentent, j'ai généralement deux objectifs : «être le héros dont mon client a besoin » et « combler le vide de leadership». Bien que le premier objectif soit explicite, le second aide à atteindre le premier. En résumé, le vide de leadership est un principe que j'ai appris de Jocko Willink, un Navy SEAL. Il mentionne que, dans certaines structures, les gens se reculent souvent lorsqu'un problème survient. Pour être le héros, par exemple, vous devez assumer un nouveau rôle de producteur, coordinateur, ou toute autre personne sur le plateau ayant les compétences pour résoudre un problème. Parfois, il suffit de prendre 10 minutes pour rassembler tout le monde, énumérer quelques solutions et choisir la meilleure option. Parfois, il s'agit d'appeler quelques personnes ayant plus d'expérience et de leur demander des conseils. Peu importe ce qui se passe, se souvenir de ces leçons, mettre mon ego de côté et examiner le problème sous un autre angle résout la plupart des problèmes. Souvenez-vous toujours que vous êtes le réalisateur sur le plateau. photoED:  Quel est votre projet de rêve? Où espérez-vous que la photographie vous mène à l'avenir?   YVENS : En dehors de la réalisation de certains objectifs commerciaux ambitieux, je travaille à mettre en place mon travail pour raconter des histoires qui vivront au-delà de moi. Dans cette collection de rêves, je veux documenter des réalisations ou des voyages athlétiques uniques dans une vie, ajouter peut-être quelques films à mon CV, un livre, et peut-être une exposition en galerie de mon travail. J'espère également pouvoir voyager beaucoup plus afin de partager mon amour pour la photographie avec des personnes également passionnées à travers le monde. Cela et collaborer avec Denis Villeneuve (je suis aussi ouvert à David Fincher)! photoED:  Quels conseils donneriez-vous aux photographes qui débutent?   YVENS : Quiconque commence dans la photographie commerciale devrait penser à construire des relations. Ne faites pas de pitch. Ne vendez pas. Construisez des relations. Ce seront des atouts solides pour faire avancer votre carrière. Ensuite, créez le travail que vous souhaitez vendre. Photographiez souvent et partagez les bonnes choses que vous avez créées. GEAR UP Quelle est la caméra et l'équipement que vous utilisez le plus actuellement? Quel est votre objectif préféré? Parlez-nous de votre expérience avec les objectifs Tamron. YVENS : Mon équipement actuel est un Sony a7R V avec, bien sûr, tous les objectifs Tamron. J'ai encore un Sony A7R III plus ancien comme équipement de secours. Je suis généralement en train de débattre entre deux objectifs particuliers : le Tamron 35-150mm f/2-2.8 et le 28-75mm f/2.8 G2. Dans cette rotation, j'utilise également le Tamron 70-180mm f/2.8 G2 pour la photographie de portrait plus statique. Comme je fais beaucoup de conférences de presse et de couverture médiatique pour la Ville de Montréal, j'ai besoin de quelque chose avec une grande portée pour capturer ces moments spéciaux avec les fonctionnaires publics. Le 35-150mm f/2-2.8 m'aide à n'emporter qu'un seul appareil. Mais lorsque je dois être vraiment rapide, comme lorsque j'ai couvert la compétition Hyrox de Montréal ou la Parade de la Fierté de Montréal, quelque chose d' ultra-léger et rapide comme le 28-75mm f/2.8 G2 est une bénédiction. J'ai assez de portée pour être large ou chercher des moments en zoomant à 75mm. Avec tous les objectifs Tamron que je possède, j'ai l'avantage d'une ouverture constante de f/2.8, ce qui me permet de travailler dans des conditions de faible luminosité et d'obtenir autant de bokeh que je le souhaite tout en ayant un autofocus incroyablement rapide. Chaque fois que je fais un travail plus planifié, comme sur des plateaux commerciaux, le 28-75mm f/2.8 G2 et le 70-180mm f/2.8 G2 sont mes objectifs de choix. Ils sont précis et répondent exactement à mes exigences. Je peux fermer à f/10 confortablement et garder les 61 MP du Sony a7R V nets et détaillés. Bien que j'apprécie la commodité du 35-150mm f/2-2.8, je reviens souvent au 28-75mm f/2.8 simplement en raison des détails et de la résolution magnifiques que l'objectif offre tout en étant léger. Voir plus du travail de Yvens B. - ICI. + Découvrez l'objectif préféré de Yvens - ICI! www.tamron-americas.com

Billed as the world’s greatest photo game, GuruShots is an international competition platform for photographers . Players get feedback from more than three billion monthly voters and try to work their way up through rankings, from Newbie to the ultimate status (and bragging rights) of Guru. GuruShots’ challenges are voted on by the platform’s Gurus and the wider community, with a fresh challenge every day. Winners can receive prizes from GuruShots’ sponsors such as Adorama, Kodak, Lowepro, and Lensbaby. The Beach Bliss Challenge showcases a wave of wonderful interpretations on this theme from around the world. To find out more, and take part in the next challenge, visit www.gurushots.com Also, check out GuruShots’ newest app AI Art Master.

Photography highlights at TOAF63 The Toronto Outdoor Art Fair (TOAF) is back at Nathan Phillips Square from July 12th to 14th offering a weekend of art and fun. The event has been a beloved summer tradition for 63 years and continues to grow and diversify—including artists from all around the country and online participating. This year, the Fair will feature close to 300 independent artists providing visitors with a dynamic showcase to explore including painting, craft & design, 3D works, and photography. Additionally, 62 more artists have been selected to exclusively show their work online at TOAF.ca. TOAF features a range of talented, award-winning photographers that push the boundaries of the medium. photoED excited to participate in this year’s Art Fair with a selection of our friends from other art magazines in Canada! (Find us at Booth 276-277) To celebrate photoED magazine's partnership with TOAF, here are a few photographers who will be at the fair that we have our eye on as potential TOAF63 photography award winners! Margaret Gdyczynski Margaret's passion for photographing architecture began with the interiors of Florence's basilicas. She now explores historical and modern structures, focusing on layering light's transient nature in familiar spaces. Laura Kay Keeling Laura is a self-taught visual artist based in Hamilton, whose practice explores connections with the natural world. Using archival investigations, they incorporate elements from plants and flowers they have grown or foraged, scanning, photographing, and pressing them to create a digital catalog. Their archive includes over 150 natural elements, capturing the ephemeral beauty of nature and examining our relationship with it. Eric Chabot Eric presents a Montreal urban landscape series where structures, water, and light, dance offering subtle beauty to the casual passerby. By shifting the perspective towards close-ups and detailed investigations, he creates abstractions out of everyday life. Ana Kapodistria Ana is a Greek-Canadian visual artist who holds an M.F.A. from the University of Edinburgh. She explores the limitations and nature of the human condition; revering the relationship to both natural and constructed realities. States of connection and transformation are celebrated and explored. Maureen O’Connor Maureen is a Toronto-based fine art photographer who collaborates with local sanctuaries to photograph rescued and non-releasable animals in abandoned Toronto homes. Her work explores the intersection of nature and urban environments, highlighting the beauty and fragility of both. Carolyn Cheng Carolyn is an award winning Toronto-based photographer. Her series "Meltwater" illustrates the impact of climate change on Alaskan glaciers. Using color solarization, she transforms natural glacier scenes into vivid, surreal images, highlighting the potential dystopian future. The series invites reflection on rising ocean levels and global weather disruptions. Nika Belianina Nika is a Toronto-based award-winning writer, director, camerawoman, and photographer, who has exhibited her work in over 25 venues across Belgium, Canada, Peru, and the USA. Her work explores themes of escapism and longing. Her poetic photographs, inspired by nature, blend magical realism and movement, evoking unique emotions. Nika's work captures feminine sensibilities in avant-garde settings, always driven by a sense of wonder and a quest for new forms of self-expression. Enjoyed this free read?! Consider supporting us! As the ONLY independent editorial photography publication in Canada we'd love your support to continue producing great content for you to enjoy! JOIN US AS A PATRON  • SUBSCRIBE FOR PRINT DELIVERY • GET DIGITAL ISSUUS